Primera escucha (febrero 2020)

Por segundo mes consecutivo reseño aquí las novedades discográficas que he ido explorando en febrero. Predomina la música clásica -mucho Mahler, mucho Bach, como de costumbre, pero también música contemporánea-, aunque encontraréis también algo de jazz, de pop y de música electrónica. Me han quedado varios discos en la lista de espera: si queréis adelantaros a mis reseñas del mes que viene, las tenéis en esta playlist de Spotify: To Check Out.

Gustav Mahler, Symphony No. 6 “Tragic”

NHK Symphony Orchestra
Paavo Järvi, director

Publicación: RCA, 31 de enero 2020
Primera escucha: 1 de febrero 2020

Paavo Järvi comienza el año con un Mahler que corta el aliento. Tras la decepción de la Sexta de Tilson Thomas sobre la que escribí el mes pasado, todo corrección y poco más, Järvi y los de Tokio nos ofrecen una lectura trepidante de una sinfonía en la que las medias tintas se pagan caras.

Järvi lleva ya algunos años grabando con la NHK Symphony Orchestra y cada nuevo disco la sitúa de modo más claro entre las grandes sinfónicas del planeta. Esta Sexta es posiblemente su mayor logro. En directo en Londres Järvi utilizó como prólogo el Requiem para cuerdas de Takemitsu y me habría gustado oírlo también en el disco. En concierto además el primer y el segundo movimiento (Järvi elige el Scherzo para seguir al Allegro) se interpretaron sin pausa y en el disco el tiempo entre ambos cortes es mínimo. Los tempi son frenéticos sin sacrificar ni un ápice de nitidez y la orquesta transmite un efecto de posesión que a ratos obliga a agarrarse al asiento. Los elementos grotescos del Scherzo aparecen aquí sin maquillaje alguno y así, al mantenerse la tensión del Allegro, el segundo movimiento se convierte en una exacerbación expresionista del primero.

Del movimiento lento Järvi ofrece una lectura que tiene más de búsqueda que de oasis y que en ese sentido conduce hasta el último movimiento sin un verdadero descanso. A pesar de llevar treinta años oyéndola, soy incapaz de enfrentarme al último movimiento sin sorprenderme de la magnitud de la derrota. Mahler me engaña cada vez. En la versión de Järvi, la determinación del inicio era tal que los mazazos finales (dos aquí, no hace falta ser más papistas que el Papa) duelen casi literalmente.

Mis grabaciones de referencia de esta sinfonía han sido siempre las de Boulez, Gielen y, más recientemente, Ivan Fischer. Ésta no las sustituye, pero aspira a ocupar un lugar junto a ellas.

Gustav Mahler, Symphony No. 6

Essener Philarmoniker
Tomáš Netopil, director

Publicación: OEHMS Classics, 17 de enero de 2020
Primera escucha: 2 de febrero 2020

Otra Sexta de Mahler. ¿Estamos grabando Mahler por encima de nuestras posibilidades? Sin duda. Netopil y la Filarmónica de Essen publicaron hace algo más de un año una Novena notable y esta Sexta vuelve a confirmar que la orquesta se ha convertido en una de las importantes en un país donde no escasean las formaciones sinfónicas de primer orden.

Dicho esto, podría decirse que éste y no otro es el fin de la grabación. La lectura que ofrece Netopil es correcta, pero no excesivamente personal ni interesante. Falta aquí la sensación de riesgo que le oía ayer a Järvi. Nada molesta ni desentona -menos con una calidad de sonido tan extraordinaria-, pero tampoco encuentro nada que me vaya a hacer volver.

Flute Concertos

Carl Nielsen, Flute Concerto
Jacques Ibert, Flute Concerto
Malcolm Arnold, Flute Concerto

Clara Andrada, flauta
Frankfurt Radio Symphony
Jaime Martín, dirección

Publicación: 3 de enero 2020
Primera escucha: 2 de febrero 2020

La salmantina Clara Andrada, primera flauta de la Chamber Orchestra of Europe y de la Sinfónica de la Radio de Frankfurt, presenta en este disco tres conciertos para flauta y orquesta del repertorio europeo del siglo XX. Tengo que admitir que no conocía ninguno de los tres antes de enfrentarme al disco.

Aunque no tan conocido como otras obras suyas, el concierto para flauta es Carl Nielsen es una obra notable. Jaime Martín nos ofrece una versión que explota la riqueza tímbrica y de color de la obra y que se apoya en la enorme riqueza de tonos y matices que Andrada saca de su instrumento. Me han gustado particularmente los momentos en los que la flauta dialoga con otros instrumentos de viento así como la interacción entre flauta y orquesta en el Adagio. Otras grabaciones conocidas de la obra incluyen a la Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Rattle con Sabine Meyer como solista y Paavo Järvi con la Philarmonia y Samuel Coles. Esta versión no tiene nada que envidiar a la primera y me ha parecido muy superior a la segunda.

El concierto de Ibert es una obra bonita y superficial con momentos que demandan enorme virtuosismo de la intérprete -Andrada sabe estar a la altura- y un Andante absolutamente delicioso. Malcolm Arnold hizo fortuna sobre todo en el ámbito de la banda sonora y este concierto tiene resonancias cinematográficas. Sin embargo, Andrada y las cuerdas de la orquesta saben extraer todo el potencial de una partitura que muy fácilmente podría parecer de segundo orden.

Destroyer, Have We Met

Publicación: 31 de enero 2020
Primera escucha: 3 de febrero 2020

Continuación sonora de su ya legendario Kaputt, lo nuevo de Dan Bejar es tal vez su mejor disco. Se conjuran aquí de nuevo los sonidos sofisticados del pop inglés de mediados de los 80 (Prefab Sprout viene principalmente a la cabeza) y se ponen al servicio de la personalísima poética del cantautor, repleta de non sequitur y complejas imbricaciones de lo sublime y lo mundano. La voz de Bejar resulta omnipresente, de un modo que recuerda a Gainsbourg, casi en contradicción con la música.

Sin duda, el disco para esperar la primavera este año.

Escales. French Orchestral

Emmanuel Chabrier, España
Maurice Duruflé, 3 Danses
Camille Saint-Saëns, La rouet d’Omphale
Claude Debussy, Prelude á l’apres-midi d’un faune
Jacques Ibert, Escales
Jules Massenet, Thaïs: Meditation
Maurice Ravel, Rapsodie espagnole

Sinfonia of London
John Wilson, director

Publicación: Chandos, 31 de enero 2020
Primera escucha: 5 de febrero 2020

La Sinfonia of London es una de las mejores noticias que han recibido en los últimos años los amantes de la música orquestal. El conjunto fue recreado en 2018 con músicos procedentes de todo el Reino Unido elegidos por el propio John Wilson con la intención exclusiva de dedicarse a proyectos de grabación y el año pasado nos regaló un disco formidable con música de Korngold. Al parecer tienen ya grabado otro dedicado a Dutilleux que seguirá a esta deliciosa colección de música orquestal francesa de finales del siglo XIX y principios del XX.

La primera pieza del disco, el España de Chabrier, nos da una idea del talento principal de los de Wilson: presentar obras conocidas con un entusiasmo y una nitidez que hacen que renazcan con el entusiasmo de lo nuevo. La euforia resplandeciente de los metales devuelve aquí la fe en una partitura que parecía agotada. Algo similar sucede con el Omphale de Saint-Saëns y el intermezzo Méditation de la ópera Thaïs de Jules Massenet.

El hilo que une la colección parece ser el Mediterráneo y, en ese sentido, su centro temático es Escales, la obra que da título al álbum, una serie de estampas que recrean los puertos mediterráneos de un crucero. Hasta hace dos o tres días nunca había oído música de Jacques Ibert, pero tras el concierto para flauta reseñado arriba y esta suite, comienzo a pensar que el talento de Ibert era un talento de superficie: su música no es excesivamente original y tampoco muy profunda, pero resulta seductora de una forma inmediata a la que es difícil resistirse. Me pregunto si aguantará escuchas repetidas. La primera parte de la suite representa la llegada en barco a Palermo y tiene un aire de cinemascope, de technicolor delicioso que invita a evocar los destellos de luz en el mar Tirreno en sus ricas texturas. Tunis-Nefta, la segunda pieza de la suite, con su oboe sinuoso y sus cuerdas col legno es todo orientalismo y de nuevo remite a los paisajes en Cinemascope de Hollywood. Especialmente gloriosa es la última de las piezas, Valencia, una evocación festiva de la vibrante ciudad portuaria que la orquesta interpreta con humor e ingenio.

Otra obra que no conocía son las Trois Danses de Duruflé, un compositor del que tan sólo había oído hasta hoy sus trabajos para órgano, que John Kitchen interpretara a menudo en Old Saint Paul’s, mi iglesia durante los años que viví en Edimburgo. A diferencia de lo que ocurría con las Escales de Ibert, el encanto de estas danzas reside en su ambigüedad y en ciertas sutilezas a las que la Sinfonia of London sabe sacar partido. En la tercera de las danzas, la indefinición entre lo sinuoso y lo épico se disuelve en una explosión catártica que remite tanto a Dukas, maestro de Duruflé, como al jazz.

Es obligatorio hacer un aparte para hablar del Fauno de Debussy. Pocas veces he oído una versión de un erotismo tan punzante. El reto de esta obra reside en saber mantener el balance entre una orquestación lujuriante y una líneas melódicas definidísimas y aquí Wilson consigue un juego de superficies tersas y exhuberancias absolutamente seductor. La rpóxima vez que alguien me pregunte qué sentido tiene volver a grabar una obra célebre grabada ya mil veces, le pondré este Fauno.

La Rapsodie espagnole de Ravel cierra el disco y de nuevo John Wilson nos ofrece esa combinación de rigor y vigor que es la constante de esta colección. En el Prélude a la nuit la atención a la arquitectura dinámica del movimiento permite que respire la sensualidad inquietante de la composición. La riqueza rítmica de la Malagueña y la elegancia gracil de la Habanera preparan para la conclusión resplandeciente de Feria, final ideal de un disco que es todo un triunfo.

Johann Sebastian Bach, Concertos for Two Harpsichords

Johann Sebastian Bach, Concerto for Two Harpsichords in C Minor, BWV1060
Johann Sebastian Bach, Concerto for Two Harpsichords in C Major, BWV1061
Johann Sebastian Bach, Concerto for Two Harpsichords in C Minor, BWV1062
Johann Sebastian Bach, Prelude et Fugue in E-Flat Major, BWV552

Olivier Fortin, clave
Emmanuel Frankenberg, clave
Ensemble Masques

Publicación: alpha classics, 24 de enero 2020
Primera escucha: 6 de febrero 2020

Los conciertos para dos clavicordios de Bach están entre sus obras orquestales más conocidas y grabadas y el Ensemble Masques atraviesa un gran momento tras la publicación del disco de música de Buxtehude con Vox Luminis en 2018 y de Routes du Cafe el año pasado.

Lo que más llama la atención en una primera escucha es la sensación de alegría de tocar juntos que transmite el ensemble y la complicidad de Fortin y Frankenberg, que consiguen evitar esa impresión de saturación que el diálogo de claves puede crear en las versiones menos acertadas. El rojo de la langosta de la naturaleza muerta de Guillaume Romain Fouace elegida para la portada del disco refleja a la perfección la intensidad de una grabación que merece sumarse a las mejores entre las ya existentes.

Orphée aux enfers

Marc-Antoine Charpentier, Orphée descendant aux enfers
Marc-Antoine Charpentier, Le descente d’Orphée aux enfers

Vox Luminis
A Nocte Temporis
Reinoud van Mechelen, contra-alto
Lionel Meunier, director

Publicación: alpha classics, 10 de enero 2020
Primera escucha: 6 de febrero 2020

No sé si existe otro coro en el mundo dedicado al repertorio barroco capaz de encadenar éxitos rotundos como lo hace Vox Luminis. Después de grabar el mejor disco de 2018 con su Abendmusiken y publicar hace algunos meses un recopilatorio memorable de cantatas de la familia Bach, comienzan 2020 con otra maravilla. Orphée aux enfers, donde se hacen acompañar por el conjunto instrumental A Nocte Temporis, recoge dos obras de Marc-Antoine Charpentier dedicadas al mito fundacional de la ópera: Orfeo.

Orphée descendant aux enfers es una cantata para tres voces escrita por Charpentier a la manera italiana en 1684. El tono dominante es el de resignada tristeza y el trabajo de un violín solista obbligato y de las flautas asociadas tradicionalmente al personaje son la clave del éxito de esta obra concisa. La cantata es una joya inesperada en la que la atmósfera tiene sin duda más valor que unas melodías que no terminan de ser memorables. He encontrado sólo dos grabaciones previas de esta obra -una del Conjunto de Cámara del Festival de Música Antigua de Boston y otra de la Orquesta de Louis Martini-, ninguna de las cuales tiene demasiado interés.

Tres años más tarde, en 1687, Charpentier regresó a la figura de Orfeo para componer una ópera de cámara titulada Le descente d’Orphée aux enfers. La ópera está dedicada a María de Lorrena, duquesa de Guisa, y ha llegado hasta nosotros en dos actos. Un probable tercer acto se ha perdido o no fue nunca escrito. La ópera ahonda en la exploración de latristeza y el duelo de la cantata precedente, pero aquí los medios son más y el uso de las voces y de la orquesta mucho más ricos. En el primer acto asistimos a la muerte de Eurídice, interpretada por la soprano Déborah Cachet, que nos deja un aria bellísima, y a la que siguen lamentos de Orfeo y de las ninfas. El segundo acto describe el viaje de Orfeo a los infiernos y termina con la promesa de Plutón de liberar a Eurídice y la famosa condición.

Para entender la originalidad del enfoque de Vox Luminis y A Nocte Tempore, basta comparar esta grabación con las publicadas por Les Arts Florissants, el Ensemble Correspondances o el Conjunto de Cámara del Festival de Música Antigua de Boston. Ya desde la obertura se aprecia aquí una apuesta por lo lírico que le confiere a la obra una delicadeza y una expresividad sobrecogedoras. La grabación, realizada por Aline Blondiau en la capilla Keyhof de Huldenberg, resulta también esencial para el éxito del disco: la limpieza y nitidez del sonido son las habituales de los discos del sello alpha y hacen justicia a la minuciosa belleza de la interpretación.

Witold Lutosławski, Symphonies Nos. 2 & 3

Finnish Radio Symphony Orchestra
Hannu Lintu, director

Publicación: Ondine, 7 de febrero 2020
Primera escucha: 7 de febrero 2020

He escrito aquí en detalle sobre este disco.

Beatrice Dillon, Workaround

Publicación: PAN, 7 de febrero 2020
Primera escucha: 8 de febrero 2020

Aunque éste sea su primer disco, Beatrice Dillon lleva más de cinco años publicando una serie de EPs, mixtapes, remezclas y colaboraciones con otros artistas que la han convertido en una de las voces más originales e interesantes de la música electrónica británica. Workaround es una verdadera obra maestra que se apoya en todo su trabajo anterior, el primer gran disco electrónico de la década.

El equilibrio delicadísimo entre ritmos electrónicos e instrumentos acústicos está en la base del proyecto, que se construye como una apuesta decidida por la limpieza sonora, algo que se agradece en tiempos de texturas sobresaturadas.

La lista de colaboraciones es apabullante: el saxo de Verity Susman en el segundo tema del disco, la tabla de Kuljit Bhamra en varios cortes, la voz de Laurel Halo y las técnicas extendidas del violonchelo de Lucy Railton son las que más me han seducido en la primera escucha, pero los créditos citan también a Batu, Untold, Kadialy Kouyate, Jonny Lam, Kenichi Iwasa, Petter Eldh, James Rand y a Morgan Buckley.

Ruby Hughes, Clytemnestra

Rhian Samuel, Clytemnestra
Gustav Mahler, Rückert-Lieder
Alban Berg, Altenberg Lieder

Ruby Hughes, soprano
BBC National Orchestra of Wales
Jac Van Steen, director

Publicación: BIS, 3 de enero 2020
Primera escucha: 8 de febrero 2020

Una sorpresa agradabilísima de esta soprano britànica. Clytemnestra, el plato principal del recital es un monodrama basado en textos de Esquilo escrito por la compositora galesa Rhian Samuel y estrenado en Cardiff en 1994. La sombra de Richard Strauss planea inevitablemente sobre la obra, pero Samuel sabe encontrar un tono expresivo propio de enorme riqueza alejado del expresionismo de Elektra. En los mejores momentos -por ejemplo, en El regreso de Agamenón o en el Epílogo– la belleza resulta estremecedora. La voz de Clitemmestra desaparece en la descripción del crimen y es sustituida por un desconcertante y un tanto arbitrario solo de guitarra bajo. La orquesta interpreta la obra con limpieza y claridad formidables, pero es la voz poderosa de Ruby Hughes la que de verdad dirige la función.

No andamos cortos de grabaciones de los Rückert-Lieder de Mahler y que en un mercado tan saturado estas versiones no resulten superfluas ya es mucho. Tanto un sorprendentemente humano y conmovedor Ich bin der Welt abhanden gekommen como un glorioso Um Mitternacht pasan a engrosar mi lista amplísima de versiones amadas de este ciclo. Tampoco le encuentro falta a unos Altenberg Lieder que, sin embargo, me parecen el momento menos memorable del recital.

Jugendstill. Songs 1898-1916

Erich Wolfgang Korngold, Einfache Lieder (Excepts), Fünf Lieder (Excerpt)
Alban Berg, Sieben Frühe Lieder
Alexander von Zemlinsky, Walzer-Gesänge
Arnold Schoenberg, Vier Lieder
Gustav Mahler, Rückert-Lieder

Camilla Tilling, soprano
Paul Rivinius, piano

Publicación: BIS, 6 de diciembre 2019
Primera escucha: 8 de febrero 2020

Otro recital delicioso inspirado en la Viena de inicios del siglo XX. Camilla Tilling es una soprano sueca de voz cristalina que ha grabado ya varios recitales junto al pianista Paul Rivinius. En éste se adueña del material con confianza y naturalidad y hace más hincapié en el elemento tardo-romántico que en el pre-modernista.

Los lieder de Schoenberg y Berg los grabó el año pasado Barbara Hannigan en un disco de la misma temática. Resulta interesante comparar ambas versiones: la voz de la Hannigan es más oscura y parece apuntar más al futuro que al pasado. Camilla Tilling brilla más. Yo me quedo con la primera, pero es cuestión de termperamento, imagino.

De los Rückert-Lieder, esta vez en versión para piano y voz, Tilling ofrece una interpretación formidable, sobre todo de Um Mitternacht. Sin embargo, he encontrado irritante el arreglo de Ich bin der Welt abhanden gekommen, con piano y violín, que no conocía y preferiría seguir sin conocer.

Daniel Hope, Belle Epoque

Onras de Claude Debussy, Arnold Schoenberg, Jules Massenet, Reynaldo Hahn, Alban Berg, Ernest Chausson, Richard Strauss, Frank Bridge, Edward Elgar, Alexander von Zemlinsky, Sergei Rachmaninoff, Gabriel Fauré, Maurice Ravel, Fritz Kreisler, Charles Koechlin, Paul Juon, Anton Webern y Christian Sinding.

Daniel Hope, violín
Mojca Erdmann, soprano
Simon Crawford-Phillips, piano
Stefan Dohr, viola
Jane Berthe, arpa
Maria Todtenhaupt, arpa
Lise de la Salle, piano
Yibai Chen, violonchello
Zürcher Kammerorchester

Publicación: Deutsche Grammophon, 7 de febrero 2020
Primera escucha: 12 de febrero 2020

El nuevo disco de Daniel Hope, dedicado a la música de la Belle Epoque, tiene el aire de una superproducción de Hollywood: duración excesiva, abundancia de nombres de peso y poca sustancia. Cuando se graba un “disco concepto”, existe el riesgo de que el concepto se imponga a la música y eso es lo que ocurre aquí: la mayoría de las piezas de esta recopilación de más de dos horas y media son fragmentos, arreglos y piezas de relleno en general. No es que las interpretaciones no sean notables, que lo son, sino que resultan innecesarias.

Ni siquiera las obras de mayor peso e interpretadas en su totalidad aguantan la comparación con grabaciones anteriores (pienso en el Concerto de Chausson y la formidables versiones de Isabel Faust y Alexander Melnikov en harmonia mundi y Pascal Rogé y Pierre Amoyal en Decca).

El disco sirve, eso sí, como excelente banda sonora de un café elegante o como repositorio de música de la época para responsables de bandas sonoras.

Béla Bartók, Music for Strings, percussion and celesta
Béla Bartok, Divertimento for String Orchestra
Béla Bartok, Dance Suite

NHK Symphony Orchestra
Paavo Järvi, director

Publicación: RCA, 7 de febrero 2020
Primera escucha: 14 de febrero 2020

Segundo disco del año para Paavo Järvi y la NHK, en este caso dirigiendo obras de Bartók. De nuevo un éxito absoluto.

Johan Sebastian Bach, St. Matthew Passion

Benjamin Bruns, tenor (evangelista)
Christian Immler, bajo (Jesús)
Damien Guillon, Clint van der Linde, altos
Benjamin Bruns, Makoto Sakurada, Zachary Wilder, tenores
Hiroya Aoki, Toru Kaku, Yosuke Taniguchi, Yusuke Watanabe, bajos
Aki Matsui, Carolyn Sampson, Eri Sawae, Kozue Shimizu, sopranos
Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki, director

Publicación: BIS, 7 de febrero 2020
Primera escucha: 15 de febrero 2020

Cuando Masaaki Suzuki grabó por primera vez la Pasión según San Mateo de Bach hace ahora veinte años se encontraba aún al inicio de su odisea bachiana que le ha llevado desde entoces a grabar la integral de sus cantatas y oratorios, así como muchas de sus obras instrumentales. Mientras que la calidad media de sus cantatas es altísima y sus grabaciones de la Pasión según San Juan y el Oratorio de Navidad pueden considerarse de referencia, había una serie de problemas en aquella primera Pasión que la convertían en el eslabón débil de la integral. La mayor parte de esos problemas -sobre todo, los que tienen que ver con la calidad del sonido y con cierta fatiga en la interpretación hacia el final del oratorio- se han solucionado aquí y por fin tenemos una Pasión según san Mateo de Suzuki a la altura del resto de su ciclo.

Es muy difícil grabar una gran Pasión. Son muchísimos y muy heterogéneos los elementos que hay que poner en juego y uno solo que no esté a la altura es capaz de desequilibrar el conjunto. Un grupo grande de solistas deben ser capaces de conjugar virtuosismo y expresividad, el coro tiene que afrontar el contrapunto más complejo con nitidez y fuerza y al mismo tiempo ser capaz de exponer los corales con solemnidad y devoción, los solistas de la orquesta deben poder sonar nítidos en medio de una exuberancia sonora que siempre amenaza con ahogarlos… A estas dificultades técnicas se le añaden otras estilísticas: elecciones constantes entre belleza y expresividad, proclamación y reflexión, etc.

En mi opinión, Suzuki triunfa en el empeño. Como es costumbre en él, la nitidez y la serenidad predominan sobre el expresionismo: su Pasión es más litúrgica que dramática. En lo que se refiere a contingente de fuerzas y estilo, el de Suzuki es un sonido cercano al de las pasiones de Herreweghe. Sin embargo, mientras que en directo nunca he oído versiones a la altura del las del flamenco, en disco las versionesde Herreweghe siempre han sufrido de un sonido plano que afecta sobre todo a la orquesta (tener a Ponsele para que su oboe se pierda en la mezcla es casi criminal). En ese sentido, la versión que ahora publica Suzuki podría convertirse en la versión de referencia de esa “tercera vía” que ambos maestros representan.

Entre los solistas, hay que destacar a Carolyn Sampson, tal vez la mejor soprano que he oído en alguna de sus arias y Damien Guillon, también extraordinario. De Benjamin Bruns como evangelista no hay nada malo que decir, pero a ratos es imposible no echar de menos a Padmore, Pregárdien o Bostridge.

Para quienes quieran una versión menos pulida y más expresiva, la segunda grabación de Harnoncourt es imbatible. La interpretación operística de Rene Jacobs debería estar también en todas las discotecas de Bach. Yo tampoco sabría vivir sin la versión minimalista -con una voz por parte- de Paul McCreesh. Esta grabación se añade a mis más de veinte Pasiones y va a ocupar un lugar importante entre ellas.

Os he preparado una playlist de Spotify en la que comparo los números más célebres de algunas de mis grabaciones favoritas de la Pasión.

Anna Höstman, Harbour

Cheryl Duvall, piano

Publicación: Redshift Records, 11 de enero 2020
Primera escucha: 18 de febrero 2020

El primer disco de la compositora canadiense Anna Höstman recopila composiciones para piano escritas para su colaboradora habitual Cheryl Duvall durante casi una década. Se trata de música de una delicadísima rarefacción, ahorro máximo en recursos pero no en ideas ni estilo. Cheryl Duvall responde a la escritura gestual de Höstman con una naturalidad que hace que la sintamos coautora de las obras.

La música de Höstman engaña: podría parecer música mobiliario, decoración sonora, pero en realidad exige una escucha atenta y sensible a las estructuras de largo aliento. Es una música ideal para oír en la madrugada y a solas. Sólo en ese contexto de silencio se revela la potencia de un sonido que no necesita nada más allá de sí mismo.

Tim Berne’s Snakeoil, The Fantastic Mrs. 10

Tim Berne, saxo alto
Marc Ducret, guitarras
Matt Mitchell, piano y sintetizadores
Oscar Noriega, clarinete bajo, clarinete en si
Ches Smith, batería, vibráfono, percusión

Publicación: Intakt, 14 de febrero 2020
Primera escucha: 19 de febrero 2020

La discografía de Tim Berne es una de las más consistentes y estimulantes del jazz de vanguardia en los últimos treinta años. Hace un par de meses, apareció en todas las listas de lo mejor del año pasado por su tremenda colaboración con David Torn y Ches Smith, Sun of Goldfinger. Para el quinto álbum de su banda Snakeoil, Berne abandona el sello ECM y publica en con los suizos Intakt lo que seguramente sea la culminación del proyecto. La esencia de Snakeoil parece ser una voluntad de unidad que va más allá de eso que solemos llamar telepatía. La integración de los elementos escritos e improvisados construye una malla densa de sonido al mismo tiempo minuciosa e intensa. Para este nuevo álbum, a la formación original se le añade un viejo colaborador de Berne, el guitarrista francés Marc Ducret, cuyo sonido entronca con el de Torn en el disco del año pasado y añade texturas eléctricas y distorsiones al sonido predominantemente acústico del conjunto.

Va a ser difícil que Tim Berne no vuelva a estar de nuevo en las listas de lo mejor del año.

Ludwig van Beethoven, Piano Concertos Nos. 2 & 5 ‘Emperor’

Kristian Bezuidenhout, pianoforte
Freiburger Barockorchester
Pablo Heras-Casado, director

Publicación: harmonia mundi, 31 de enero 2020
Primera escucha: 22 de febrero 2020

Vuestro disfrute de esta nueva grabación de dos de los conciertos para piano de Beethoven (a la que le sucederán grabaciones del resto) va a depender en gran medida del punto de saturación que hayáis alcanzado en el momento de la escucha respecto del 250 aniversario del nacimiento de su autor y de vuestra opinión acerca de la idoneidad del pianoforte para la interpretación del ‘Emperador’. Yo soy bastante fan de Bezuidenhout, de los de Friburgo y de Heras-Casado y he disfrutado muchísimo el disco. No creo que pudiese prescindir de versiones más épicas, pero a ésta no le encuentro apenas faltas (tal vez un exceso de autoconciencia en algún momento) y, sobre todo, le agradezco la capacidad de recrear la impresión de una primera escucha. Bezuidenhout no improvisa aquí, pero toca su copia moderna de un Graf de 1824 como si lo estuviese haciendo.

John Zorn, Beyond Good and Evil. Simulacrum Live

John Medeski, órgano
Kenny Grohowski, batería
Matt Hollenberg, guitarra

Publicación: Tzadik, 24 de enero 2020
Primera escucha: 22 de febrero 2020

Después de seis discos grabados en estudio, Simulacrum -el proyecto de John Zorn que combina jazz, rock progresivo y metal– publica un álbum en directo. Los temas están sacados de las entregas anteriores, pero la exuberancia del sonido y de las improvisaciones hacen evidente que el directo es el marco ideal de esta banda.

Siempre he sentido que el trabajo de John Medeski, uno de los teclistas esenciales de la vanguardia neoyorquina, quedaba algo borroso en las grabaciones anteriores. Sin embargo, en las ocasiones en que he visto a la formación en vivo, su contribución al sonido es esencial. Esta grabación es contundente como las anteriores, pero mucho más espaciosa y detallada y el órgano de Medeski brilla de forma especial.

Grohowski y Hollenberg vienen ambos del metal y forman parte de una generación más joven de músicos que se ha incorporado recientemente a la troupe de Zorn. En sus mejores trabajos -aparte de los discos con Simulacrum, os aconsejo los dos volúmenes publicados como Insurrection- son capaces de remitir al mismo tiempo al Miles eléctrico y a Fugazi.

Está claro que es necesario saltarse algunos discos de la copiosa producción de John Zorn. Pero éste no es uno de ellos.

Enrique Granados, Goyescas

Jean-Philippe Collard, piano

Publicación: La Dolce Volta, 17 de enero 2020
Primera escucha: 23 de febrero 2020

Una interpretación de las Goyescas de Granados que merece estar entre las de referencia. Collard lee a Granados sin caer en efectismo y exotismo de ningún tipo. Sus Goyescas son limpias y de una pasión controlada. Sólo en la última pieza, El amor y la muerte, parece Collard dejar la rienda suelta a la tristeza, haciendo el final de la obra particularmente efectivo.

Kathleen Ferrier in New York

Gustav Mahler, Das Lied von der Erde
Johann Sebastian Bach, Three Songs

Kathleen Ferrier, alto
Set Svanholm, tenor
John Newmark, piano
New York Philarmonic Orchestra
Bruno Walter, director

Publicación: Somm Recordings, 3 de enero 2020

Primera escucha: 25 de febrero 2020

Dejadme aclararlo antes de empezar: la voz de Kathleen Ferrier es un milagro. Sería capaz de salir desnudo a enfrentarme al coronavirus, la emergencia climática o el apocalipsis zombie sin más defensa que su voz y sé que saldría victorioso.

En una entrevista radiofónica que abre esta joya rescatada y minuciosamente restaurada por el sello Somm Recordings, cuenta el propio Bruno Walter, director en su estreno de La canción de la tierra, que había jurado no volver a dirigirla hasta que no encontrase una voz capaz de hacerle justicia a la más formidable partitura de Mahler. Cuando oyó cantar en Londres a Kathleen Ferrier supo que la espera había acabado. En 1947, durante el Festival de Edimburgo, Walter volvió a dirigir la obra con la Ferrier y ese concierto es considerado todavía hoy uno de los más legendarios de la Historia. Cuatro años después, Walter y Ferrier se reunieron de nuevo para grabar Das Lied en Viena y ésa grabación era hasta hoy lo más cercano que teníamos al mítico concierto de Edimburgo.

Resulta, sin embargo, que pocos meses después del concierto escocés, Walter dirigió a la Filarmónica de Nueva York con Kathleen Ferrier y el tenor heroico escandinavo Set Svanholm en el Carnegie Hall y grabaron una versión absolutamente estremecedora de La canción de la Tierra que en su momento retransmitió la radio pública estadounidense. Ésa es la grabación que se publica ahora. A pesar de las huellas del sonido directo, tal vez sea fácil considerar superior esta versión: desde luego, Kathleen Ferrier alcanza una expresividad absolutamente estremecedora. Los pianissimi son tal vez los más sutiles y efectivos que he oído nunca y su timbre de voz, especialmente en la rendición del último movimiento, resulta hipnótico y, a ratos, devastador.

No soy muy fan de lo que hace Julius Patzak en la grabación vienesa y tampoco Svanholm aporta gran cosa aquí. El sonido de la orquesta es sorprendentemente nítido para la fecha del concierto preservando la intrincada orquestación de la obra.

Completan esta joya tres canciones de Johann Sebastian Bach y dos fragmentos de entrevistas radiofónicas a Walter.

Alex Hills, OutsideIn
Alex Hills, Flatland
Alex Hills, Short Long Shrink Stretch

Aisha Orazbayeva, violín
Jacob Brown, percusión
12 Ensemble
EXAUDI Vocal Ensemble
4112 Ensemble
James Weeks, director
Adam Hickox, director

Publicación: Carrier Records, 31 de enero 2020
Primera escucha: 28 de febrero 2020

El segundo álbum-retrato que el sello Carrier Records dedica al compositor británico Alex Hills recoge tres obras que trabajan a partir de la idea de forma como motor para la creación musical. Las dos primeras piezas –OutsideIn para violín y conjunto de cuerdas y Flatland, para coro- están inspiradas en Flatland, una novela de ciencia-ficción publicada por Edwin A. Abbott en 1889 y que imaginaba una realidad bidimensional. Como en la novela, en la música de Hills una serie de limitaciones estrictas fuerzan a la música a buscar vías de fuga e imaginar una realidad más compleja y libre. La tercera pieza, compuesta específicamente para el disco, traslada el mismo procedimiento al ámbito de la percusión.

A pesar de que Hills estudió con Finnissy y Ferneyhough, su música tiene poco que ver con eso que suele llamarse “nueva complejidad”. Al contrario, en las tres obras de este disco hay una voluntad de rarefacción. La de Hills es una música de gestos básicos y restricciones en las que la complejidad surge no por adición sino por resignificación de unos pocos elementos a lo largo de la pieza.

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