Primera escucha (Marzo 2020. Primera parte)

(NOTA. Dado que la temporada de confinamiento se presta a más escuchas, he decidido partir en tres el post de este mes. Aquí va la primera parte.)

Por tercer mes consecutivo, publico aquí la lista de novedades discográficas a las que he terminado por hacer caso. Es tal vez el momento de dedicarle unas líneas a la relación ambivalente que tengo con la noción de novedad discográfica en el ámbito de la música clásica, que es a la que, a fin de cuentas, más tiempo dedico. El espacio central en el que ocurre la música clásica es la sala de conciertos. Si bien casi cualquier música está pensada para ser oída principalmente en vivo, en el caso de la música clásica o “de arte”, la sala de conciertos, con su aire semi-sagrado y sus códigos y protocolos está diseñada para recordar de forma constante que la experiencia discográfica es algo secundario respecto al concierto. Sin embargo, precisamente por ese carácter cuasi-religioso, la música clásica estaba destinada a convertirse en un espacio ideal para la proliferación del fetichismo de la grabación: la combinación de audiofilia y mitomanía (de intérpretes y repertorios) es el soporte ideológico en el que se fundamenta una industria que necesita seguir publicando una y otra vez un puñado limitado de obras. El culto al virtuosismo de los intérpretes y la visión de los maestros (con la correspondiente proliferación de grabaciones históricas y de registros de conciertos legendarios), el estudio de las técnicas de interpretación (históricamente informadas y/o con instrumentos de época) y la búsqueda de ediciones Urtext de las grandes partituras están en la base de actividades como la que realizo en este post. Resulta tan fácil dejarse llevar y convertir este armazón ideológico en una justificación para el consumismo desaforado como despreciarlo como puro fetichismo de la mercancía. Cualquiera de los dos casos evidencia lo fácil que resulta equiparar al aficionado de la música clásica con los tipos básicos del fan del pop: fanboys, groupies y puretas. Del mismo modo que muchos sufrimos y tratamos de combatir la sobreprogramación de Beethoven y Mahler en las salas de concierto a pesar de amar la música de ambos compositores, también es fácil ver lo ridículo de que casi cada semana se publique una nueva grabación de la Quinta Sinfonía de cualquiera de los dos. Pero también es fácil ver que por cada genio desconocido del primer Barroco que se desentierra, hay tres o cuatro que estaban mejor enterrados. Y que, parafraseando el famoso juicio de Puccini sobre Wagner, no pocas obras de compositores contemporáneos son imposibles de juzgar en una primera escucha, pero jamás le dedicaríamos una segunda. En mi caso, en los posts de este blog, trato de habitar esta tensión con la mayor naturalidad posible. Tengo en casa alrededor de veinte grabaciones de la Pasión según San Mateo de Bach y de no pocas sinfonías de Beethoven, Schubert, Mahler o Bruckner. Me resulta impensable manejar menos de cuatro o cinco grabaciones de un puñado de obras que considero favoritas. Y creo que tiene sentido seguir grabando música que lleva interpretándose doscientos, trescientos o mil años y grabándose desde la invención del disco. Pero también creo que la mayor parte de esas nuevas grabaciones son superfluas. Tengo, por otra parte, la certeza de que se escribe, estrena y graba una camtidad prodigiosa de nueva música y que perdérsela por mantener un culto un tanto necrófilo sería criminal. Todas estas ideas -un tanto contradictorias, lo sé- están en la base de estas reseñas.

Gustav Mahler, Sinfonía No. 3

Sara Mingardo, contralto
Schola Heidelberg
Coro infantil de la catedral de Colonia 
Gürzenich-Orchester Köln François-Xavier Roth, director

Publicación: harmonia mundi, 8 de febrero de 2019 
Primera escucha: 1 de marzo 2020

Lo que está haciendo François-Xavier Roth tanto con su orquesta Les Siecles como con esta veterana formación de Colonia es simplemente prodigioso. Su Berlioz ha sido mi puerta de acceso a un compositor que hasta ahora siempre se me había resistido y sus interpretaciones de los grandes compositores franceses de principios del siglo XX son formidables. 

Ahora que parece que un director no puede no tener su ciclo Mahler, tenga o no algo que decir al respecto, entiendo las reservas a dedicarle un rato (y con Mahler el rato nunca es corto) a cualquier cosa que se parezca a un nuevo ciclo en marcha. Pero Roth tiene mucho que decir aquí. El año pasado Les Siecles grabaron una Primera Sinfonía (en su versión primera con el movimiemto Blumine) que se ha convertido en grabación de referencia. Unos meses antes Roth había grabado esta Tercera con la orquesta que la estrenó en 1902 y de la que es director musical. De nuevo, la versión marca un hito.

Roth apuesta por la transparencia y la nitidez, pero lo hace sobre todo para poder prestarle atención al timbre. El de Roth es un Mahler de una riqueza cromática asombrosa, en el que el juego entre color y melodía marca el resto de decisiones. La extraordinaria captura del sonido en directo refleja con viveza ese juego.

Sara Mingardo es tal vez mi contralto preferida. Su voz tiene un velo de oscuridad que la aleja de la contralto mahleriana habitual, pero que resulta ideal para el recitado del texto de Nietzsche en el cuarto movimiento.

Existe un puñado de grabaciones de esta sinfonía que se me antojan imprescindibles. Polémica por su lresunta frialdad, la de Boulez y la Filarmónica de Viena es sin duda la que mejor suena y a la que más vuelvo. Las de Abbado en Berlín (en CD) y en Lucerna (en DVD) son igualmente inimpugnables. Gielen, como casi siempre, ofrece también una lectura interesantísima. Y la grabación de Kubelik y la Sinfónica de la Radio Bávara en 1967 es absolutamente deliciosa. La de Roth se añade a este grupo.

Maurice Ravel, Jeux de Miroirs

Maurice Ravel, Alborada del gracioso pour orchestre 
Maurice Ravel, Le Tombeau de Couperin. 6 pièces pour piano deux mains 
Maurice Ravel, Concierto en Sol Mayor 
Maurice Ravel, Le Tombeau de Couperin. Suite d’orchestre 
Maurice Ravel, Alborada del gracioso. Pour piano

Javier Perianes, piano 
Orchestre de Paris 
Josep Pons, director

Publicación: harmonia mundi, 29 de noviembre 2019 
Primera escucha: 2 de marzo 2020

Un programa interesante y generoso: el Concierto para piano de Ravel acompañado de las versiones orquestal y para piano de otras dos obras importantes del compositor: la Alborada del Gracioso y Le Tombeau de Couperin.

Las dos versiones orquestales transmiten sobre todo calidez y diversión. Pons toma decisiones de tempo que acentúan la vitalidad y la riqueza rítmica de la escritura de Ravel y su singular talento para la orquestación. Se trata de versiones muy satisfactorias.

En las versiones para piano de la Alborada y la Tombeau, Perianes ofrece una interpretación muy personal, acentuando el liricismo de las piezas. Se trata de interpretaciones marcadamente impresionistas que, tal vez justo por eso, sacrifican algo de la nitidez de la escritura. Echo en falta el elemento de imitación de la escritura barroca en Le Tombeau de Couperin y una mayor definición de la estructura de las piezas.

En el Concierto Perianes acierta en los tempi y toca con una elegancia fabulosa. Me ha gustado mucho la forma en la que aparecen las líneas melódicas más jazzísticas en el primer movimiento. El aire meditativo del movimiento lento, uno de los más bellos escritos por Ravel, también parece exigirle a Perianes el sacrificio de la nitidez y el sentido de dirección.

En resumen, un disco con un concepto interesante y una ejecución brillante cuyo éxito queda limitado por la idiosincrasia de la interpretación del pianista. 

(Nota: El ensayo que Yvan Nommick escribe para el libreto del CD sobre Ravel como orquestador es fascinante.)

Jennifer Walshe, A Late Anthology of Early Music, Vol. 1. Ancient to Renaissance

Publicación: Tetbind Records, 21 de febrero 2020 
Primera escucha: 2 de marzo 2020

En su nuevo proyecto -tal vez el más interesante de su carrera hasta la fecha- la compositora y cantante irlandesa Jennifer Walshe propone una exploración de la tensión y el choque entre lo humano y lo maquínico, entre lo acústico y lo electrónico, mediante la presentación de una antología de repertorio de música antigua manipulado por un sistema de software de aprendizaje automático (machine learning). Walshe colabora con el dúo Dadabos, cuya red neuronal artificial ha entrenado durante cuarenta generaciones para reproducir las grabaciones vocales que la cantante les había enviado (una antología que recoge desde epigramas griegos clásicos hasta polifonía renacentista). El material resultante ha sido a su vez seleccionado de nuevo para mostrar ese proceso de aprendizaje: cuarenta generaciones de inteligencia artificial que evolucionan desde la sucesión de errores y glitches hasta la emergencia de sonidos de apariencia orgánica, primero casi aviares y sólo paulatinamente humanos. Como escribe la irlandesa, “el aprendizaje automático se utiliza como filtro para oír la historia de la música occidental y la historia de la música occidental se utiliza como filtro para oír el proceso de aprendizaje automático”. El resultado resulta fascinante, adictivo y sorprendentemente desgarrador.

yMusic, Ecstatic Science

Gabriella Smith, Tessellations 
Missy Mazzoli, Ecstatic Science 
Paul Wiancko, Thous&ths 
Caroline Shaw, Draft of a High-Rise 
Gabriella Smith, Maré

Publicación: New Amsterdam, 14 de febrero 2020 
Primera escucha: 3 de marzo 2020

El ensemble yMusic habita con comodidad un espacio de la música clásica contemporánea estadounidense que procede del post-minimalismo y limita con el art-pop. Su sonido, eminentemente neoyorquino, surge de una composición instrumental particularísima -flauta, clarinete, trompeta, violín, viola y violonchelo- y de esa decisión de instalarse entre la música clásica y la popular. Esto les ha llevado a colaborar con artistas pop como Paul Simon y Ben Folds y bandas indie como Bon Iver y Dirty Projectors. Al mismo tiempo, una serie de encargos de composiciones a músicos clásicos -Nico Muhly y Carolinse Shaw, primcipalmente- y rock -Anne Clark de St. Vincent o Sufjan Stevens, por ejemplo- han ido apareciendo en una serie de álbums que han consolidado la fama de y!usic. 

Este cuarto disco es el primero publicado en la segunda década de vida del conjunto y trata de abrir nuevas vías de desarrollo musical a través de los encargos hechos a dos compositores jóvenes: Paul Wiancko y Gabriella Smith. Sus piezas parecen apuntar a una versión más fragmentada del grupo, con algo casi de intencionadamente caricaturesco en la pieza de Wiancko. La primera de las composiciones de Smith se llama Tesselations y precisamente es el paradigma del mosaico el que viene a la mente antes que las metáforas textiles con las que resulta fácil describir trabajos anteriores del ensemble.

La pieza de Mazzoli que da título al disco es tal vez el mejor ejemplo del sonido que ha hecho famoso al grupo: texturas polirrítmicas que se unifican gracias a los contornos melódicos, complejidad estructural que suena sencilla gracias al trabajo de unificación de yMusic. Mientras tanto, la composición que Caroline Shaw aporta al disco juega con esas mismas habilidades del ensemble: el paso de la homofonía a la complejidad y los límites de perceptibilidad de detalles disonantes en una interpretación orientada a la consonancia parecen servir de motor a la dimensión arquitectónica de la obra.

En una primera escucha, me han parecido más satisfactorias las obras de las dos compositoras más veteranas que las de los músicos más jóvenes. Pero, sin duda, el disco pide y merece más escuchas.

Bryce Dessner, Tenebre

Moses Sumney, voz 
Ensemble Resonanz

Publicación: Resonanzraum Records, 11 de octubre 2019 
Primera escucha: 3 de marzo 2020

Otro artista que se mueve con comodidad entre la música clásica y la popular es Bryce Dessner. Miembro de The National y compositor de bandas sonoras, Dessner ha ido escribiendo en la última década un puñado de obras clásicas que han recibido certa atención mediática. En este caso, el Ensemble Resonanz graba una colección de estas composiciones tras interpretarlas en la Elbephilarmonie de Hamburgo. Las dos primeras piezas, Aheym y Tenebre, son arreglos de dos composiciones escritas para y estrenadas por el Kronos Quartet y tienen el distintivo aire post-minimalista del conjunto. Las dos se prestan a una escucha interesada, pero no especialmente exigente. Reconozco que determinados tropos asociados al sonido del Kronos me tienen un poco cansado y tengo la impresión ese aire de banda sonora de producción de prestigio de la década de los 2000 ya ha sido dado de sí todo lo que podía. Algo similar le ocurre a la pieza inspirada en John Dowland, Lachrimae. El trío Skrik se estrena en este disco y trata de ir más allá de los límites de las piezas para el Kronos apuntando líneas que harían la producción clásica de Dressner más interesante.

Ryuichi Sakamoto, The Staggering Girl

Publicación: 14 de febrero 2020 
Primera escucha: 3 de marzo 2020

Un Sakamoto menor para acompañar el mediometraje de Luca Guadagnino. El japonés ha querido hacer hincapié en el carácter táctil de la música, inspirado en los tejidos de los diseños de la firma Valentino, que es quien está detrás de todo el proyecto.

Charles Lloyd, 8: Kindred Spirits (Live at the Lobero)

Charles Lloyd, saxo 
Booker T. Jones, órgano 
Julian Lage, guitarra 
Gerald Clayton, piano 
Rueben Rogers, bajo 
Don Was, bajo 
Eric Harland, batería

Publicación: Blue Note, 28 de febrero 2020 
Primera escucha: 3 de marzo 2020

Charles Lloyd celebra sus ochenta años en nuestro planeta con un concierto en el Teatro Lobero de su ciudad, Santa Barbara. Le acompañan músico con los que lleva décadas colaborando y otros con los que toca por primera vez. El resultado es un milagro de belleza. El saxo tenor de Lloyd remite a la vez a la intensidad espiritual de Coltrane y a la belleza atormentada de Lester Young y aquí se muestra en toda su sabiduría y potencia. Un álbum que, desde la primera escucha, se revela como una aportación esencial a la discografía de uno de los grandes del jazz.

Giovanni Battista Pergolesi, Stabat Mater 
Nicola Porpora, Salve Regina 
Leonardo Leo, Beatus Vir

Sandrinne Piau, soprano 
Christopher Lowrey, contratenor 
Les Talens Lyriques
Christophe Rousset, director

Publicación: alpha classics, 28 de febrero 2020 
Primera escucha: 4 de marzo 2020

¿Pero no tenía ya por casa una versión del Stabat Mater de Pergolesi con Les Talents Lyriques y la Piau? Busco en mi discoteca, googleo y veo que no. Tengo una versión estupenda de Les Talents Lyriques con. Arbara Bonney y Andrea Scholl y Sandrine Piau grabó otra menos destacable con Gerard Lesne. 

Esta nueva grabación es absolutamente extraordinaria. Sandrine Piau es la soprano ideal para este repertorio y el joven Christopher Lowrey está a la altura del resto, si bien no consigue hacer olvidar a Scholl o a mi alto preferida, Sara Mingardo. Rousset y Les Talens Lyriques saben combinar a la perfección la teatralidad barroca y la espiritualidad que requiere la pieza.

El disco se completa con otras dos obras menos conocidas del repertorio litúrgico barroco: la Salve de Porpora y el Beatus Vir de Leo.

Arnold Schoenberg, Violin Concerto 
Arnold Schoenberg, Verklärte Nacht

Isabelle Faust, violín 
Danusha Waskiewicz, viola 
Jean-Guihen Queyras, violonchelo 
Christian Poltéra, violonchelo 
Antoine Tamestit, viola 
Anne Katharina Schreiber, violín 
Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca 
Daniel Harding, director

Publicación: harmonia mundi, 28 de febrero 2020 
Primera escucha: 4 de febrero 2020

Es de verdad prodigioso lo que Isabelle Faust está haciendo en harmonia mundi. He perdido la cuenta de la cantidad de obras de primer orden de las que ha grabado versiones de referencia insoslayables. En ninguna discoteca digna de tal nombre puede faltar los conciertos para violín de Beethoven y Berg que grabó con Abbado. Imprescindibles son también sus grabaciones de las sonatas y tríos de Beethoven, su Bartók, Brahms o Hindemith. 

Aquí Faust se enfrenta a una de las obras más difíciles del repertorio para violín y orquesta, el concierto de Schoenberg. Escrito durante el exilio californiano del compositor, representa una de las cumbres de su periodo dodecafónico, es decir, de su apuesta por el rigor y el clasicismo formal, y se ha ganado fama de imposible. Hasta hoy sólo se me ocurren dos versiones verdaderamente esenciales del concierto: la que grabó Zvi Zeitlin con Kubelik y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera y la de Hilary Hahn con Esa-Pekka Salonen y la misma orquesta de este disco, la de la Radio Sueca. Ésta última ha sido siempre mi favorita y tiene la virtud de venir emparejada con otra versión insuperable del concierto de Sibelius. La nueva grabación de la Faust está a la altura de ambas y es un complemento perfecto a una obra que, por su complejidad, no permite la reducción de una sola grabación.

El disco recoge también una grabación del Verklärte Nacht, un poema sinfónico escrito por Schoenberg antes de abandonar la tonalidad y que supone la culminación de su periodo post-romántico y expresionista. Esta pieza fue mi puerta de acceso a la música clásica del siglo XX y siempre la tendré un cariño especial. La versión que se nos ofrece aquí no tiene nada que objetar, pero su aire cool y la limpieza de los timbres crea un efecto de distancia que, al menos en las primeras escuchas, no termina de convencerme. Aunque la versión clásica de referencia es la del Hollywood String Quartet, os recomiendo que probéis la ápsera versión del Domaine Musical bajo la supervisión de Boulez. Desde que la descubrí, el resto de grabaciones se ha esfumado.

Adès Conducts Adès

Thomas Adès, Concierto para Piano y Orquesta 
Thomas Adès, Totentanz

Kirill Gerstein, piano 
Mark Stone, tenor 
Christiane Sotijn, soprano 
Boston Symphony Orchestra 
Thomas Adès, director

Publicación: Deutsche Grammophon, 28 de febrero 2020 
Primera escucha, 5 de marzo 2020

Thomas Adès estrena en este disco su concierto para piano y orquesta, uno de los ejemplos más interesantes de un formato que consigue seguir teniendo sentido a pesar de su longevidad. Como es habitual en el compositor británico, aquí el juego es entre la propia historia del formato, cuyas huellas se descubren a lo largo de toda la obra, y su gusto por la asimetría. En una reseña leía que lo que Adès hace con la música clásica se parece a lo que Tarantino hace los los clásicos de Hollywood y tal vez no sea una pista tan mala como parece. Gerstein sabe combinar lirismo y virtuosismo como exige la partitura y la Sinfónica de Boston sabe seguir sonando a la altura de su reputación.

Oír una Totentanz en tiempos de pandemia produce un efecto intenso. La de Adès es muscular y expresiva. 

Volveré a este disco a menudo.

Riz Ahmed, The Long Goodbye 

Publicación: 6 de marzo 2020 
Primera escucha: 6 de marzo 2020

El sub-genéro de los raperos denunciando la deriva racista y nativista del Reino Unido nos está dejando algunos discos interesantes. Éste es uno de los más contundentes y divertidos.

Liza Lim, Extinction Events and Dawn Chorus

Liza Lim, Extinction Events and Dawn Chorus 
Liza Lim, Axis Mundi 
Liza Lim, Songs found in Dream

Sophie Schafleitner, violín 
Lorelei Dowling, fagot 
Klangforum Wien 
Peter Rundel, Stefan Asbury, directores

Publicación: Kairos, 6 de marzo 2020 
Primera escucha: 7 de marzo 2020

Extinction Events and Dawn Chorus es tal vez la composición más importante de Liza Lim hasta la fecha y, sin duda, la mejor aportación a la música clásica contemporánea en lo que va de año. Estoy preparando un texto más largo sobre la obra y su autora.

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