Primera escucha (Marzo 2020. Tercera parte)

El primer mes de confinamiento se ha prestado a los conciertos digitales y el repaso sistemático de las novedades discográficas. Aquí sigo el repaso de las últimas, comenzado en posts anteriores. Como la de un músico, mi fuente de ingresos se nutre de forma exclusiva de bolos, de modo que estos discos lo he oído todos en streaming. Los que podéis seguir comprando, comprad. El resto volveremos a hacerlo y volveremos a los conciertos cuando esto acabe.

Shabaka and the Ancestors, We Are Sent Here by History

Shabaka Hutchings, saxos
Mthunzi Mvubu, saxo alto
Siyabonga Mthembu, voz
Ariel Zamonsky, contrabajo
Gontse Makhene, percusión
Tumi Mogorosi, batería

Publicación: Impulse!, 13 de marzo 2020
Primera escucha: 19 de marzo 2020

Está siendo un año extraordinario para los amantes del jazz. Los nuevos discos de Tim Berne, Carla Bley, Charles Lloyd o John Zorn que he reseñado en posts anteriores son buena prueba de ello. Shabaka amd the Ancestors pertenece a esa corriente del jazz reciente que revive el tono del jazz espiritual y afro-futurista de los años 70. Líder claro de la nueva escena del jazz londinense, Shabaka Hutchings ha publicado un puñado de discos extraordinarios desde que firmara con el sello Impulse!, un movimiento que paradójicamente ha beneficiado más a un sello legendario que había caído en la irrelevancia que al propio saxofonista. The Queen Is a Reptile, publicado con su banda Sons of Kemet, figuró en lo alto de todas las listas de lo mejor del año en 2018 y el disco del año pasado bajo el alias The Comet Is Coming también recibió críticas entusiastas. Para este nuevo álbum, Hutchings se hace acompañar por súsicos sudafricanos, con los que graba una meditación al tiempo enérgica y cerebral sobre la extinción del ser humano como especie. Imprescindible para quien quiera saber hacia dónde se dirige el jazz en estos días.

Georg Frideric Handel, Agrippina

Joyce DiDonato, Franco Fagioli, Jakub Józef Orliński, Marie-Nicole Lemieux, Elsa Benoit, Luca Pisaroni, Andrea Mastroni, Carlo Vistoli, Biagio Pizzuti,
Il Pomo D’oro
Maxim Emelyanychev, director

Publicación: Erato, 31 de enero 2020
Primera escucha: 20 de marzo 2020

Sin duda, mi favorita de las óperas de Handel y también la más veneciana. DiDonato convirtió esta versión en uno de los grandes éxitos operísticos internacionales de la pasada temporada y el disco está a la altura. Ninguna otra ópera de su autor se deja oír en disco como ésta, que tal vez tenga menos arie da capo que otras, pero abunda en una aires y escenas de danza que le dan una riqueza rítmica extraordinaria e Il Pomo d’Oro interpreta con energía y rigor. Divertidísima.

Mi versión de referencia hasta ahora era la de René Jacobs. Sólo el tiempo dirá si ésta la reemplaza. Pero a día de hoy se sienta cómodamente a su lado.

Lera Auerbach, 72 Angels. In splendor lucis

Raschèr Saxophone Quartet
Netherlands Chamber Choir
Peter Dijkstra, director

Publicación: alpha classics, 7 de febrero 2020
Primera escucha: 20 de marzo 2020

La compositora estadounidense de origen ruso dedica esta larga pieza coral a los nombres de los ángeles en la tradición judía. La intención de la autora al explorar lo angélico es la de resaltar un elemento común a distintas tradiciones religiosas, el de la voluntad de elevación, esperanza y belleza.

Al coro se le une en la partitura un cuarteto de saxofones, cuya riqueza tonal remite a sonidos primordiales como el del shofar. La intención de la autora es que los saxofones “enciendan el fuego al mismo tiempo que trascienden lo que éste quema”. A lo largo de estos 72 preludios, interpretados de forma ininterrumpida, Auerbach explora distintos estilos corales con un denominador común post-atonal: fragmentos litúrgicos o enunciativos suceden a otros casi micropolifónicos, la monodia sigue a momentos que parecen destilaciones de un oratorio barroco, a ratos parece sentirse una pimcelada que remite al jazz (la Radical Jewish Culture de John Zorn no queda del todo lejos). Las tradiciones litúrgicas más presentes en la obra son la cantorial judía y la ortodoxa. El epílogo es un “Amen” lento y meditativo absolutamente hipnótico.

Música de una belleza y una espiritualidad extraordinarias que pasa de inmediato a mi playlist de escuchas compulsivas.

La Passione

Luigi Nono, Djamila Boupacha
Franz Joseph Haydn, Sinfonía No. 49 en Fa Menor, “La Passione”
Gerad Grisey, Quatre Chants pour franchir le seueil

Barbara Hannigan, soprano y directora
Ludwig Orchestra

Publicación: alpha classics, 20 de marzo 2020
Primera escucha: 20 de marzo 2020

El extraño maridaje de obras lastra este proyecto de Barbara Hannigan y la Orquesta Ludwig. Como álbum la cosa no funciona, pero dos de las tres obras propuestas alcanzan aquí niveles difícilmente superables.

El problema, claro, está en la obra que ocupa el centro del disco y le da nombre. La versión que Hannigan propone de la sinfonía 49 de Haydn está llamada a defraudar a partidarios de las grabaciones historicistas y a defensores de sonoridades a la antigua. Una orquesta demasiado grande que habría servido tal vez para las sinfonías londinenses de Haydn pero nunca para ésta y una combinación de instrumentos modernos y un clave que a ratos parece ligeramente perdido hacen de esta Passione un asunto muy olvidable.

Sin embargo, las otras dos obras que el disco recoge encuentran aquí una expresión ideal. Djamila Boupacha es una pieza de Luigi Nono para soprano solista dedicada a una activista argelina violada y torturada por el ejército francés. No conozco otra grabación, pero ésta es escalofriante. El virtuosismo vocal de Hannigan se pone aquí al servicio de la expresividad con resultado formidable.

Más importante aún son los Quatre chants pour franchir le seueil, escritos por Gerard Grisey en 1999 meses antes de su muerte y que se han convertido en una de las obras musicales más importantes de los últimos cincuenta años. Reflexión de astada y devastadora sobre la muerte, oírlos en estos días de pandemia es una actividad peligrosa. La versión que ofrece aquí Barbara Hannigan es más fría y distanciada que la otra grabación existente, la de Catherine Dubosc y el Klangforum Wien, y sin embargo, tal vez por ese distanciamiento, me ha parecido más efectiva y desoladora. Sólo por esta obra, el disco se vuelve obligatorio.

Tõnu Kõrvits, Hymns to the Northern Lights

Tõnu Kõrvits, Azure
Tõnu Kõrvits, Hymns to the Northern Lights
Tõnu Kõrvits, Silent Songs
Tõnu Kõrvits, Leaving Capri
Tõnu Kõrvits, Tears Fantasy
Tõnu Kõrvits, Elegies for Thule

Meelis Vind, clarinete bajo
Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia
Risto Joost, director

Publicación: Ondine, 3 de enero 2020
Primera escucha: 23 de marzo 2020

A Kõrvits le debemos una de las mejores obras clásicas de la década pasada: las Moorland Elegies. Esta nueva antología recoge obras orquestales escritas en los últimos quince años. De nuevo se trata de piezas de fuerte inspiración romántica (las Moorland Elegies estaban construidas a partir de poemas de Emily Bronte), algo que anticipan ya los títulos de las piezas, pero que se hace evidente en las opulentas texturas orquestales y en su tonalidad cromática, que tratan de capturar lo sublime del paisaje nórdico. Este neorromanticismo hace que a ratos la música pueda parecer la banda somora de un scandinoir, pero no le resta nada de placer a la escucha.

Silent Songs se aparta ligeramente del tono del resto de las obras al estar construida como un concierto para clarinete bajo. (Ahí me has ganado, Tõnu.) Las partes solistas tienen un aire improvisado y meditativo que remite al Miles Davis de In a Silent Way y de los discos con Gil Evans. A su vez, las otras dos composiciones mayores –Hymns to the Northern Lights y Elegies for Thule– me han hecho pensar en la idea de la existencia de algo así como un “estilo atlántico” de la música clásica en el siglo XX, que existe en paralelo a los focos austro-alemán y francés. Sibelius y. Ritten serían sus santos patrones. No es casual que la primera de estas obras fuese estrenada por la Britten Sinfonia bajo la batuta del compositor escocés James MacMillan.

Erkki-Sven Tüür, Mythos

Erkki-Sven Tüür, Mythos
Erkki-Sven Tüür, Incantation of Tempest
Erkki-Sven Tüür, Sow the Wind…

Estonian Festival Orchestra
Paavo Järvi, director

Publicación: alpha classics, 13 de marzo 2020
Primera escucha: 24 de marzo 2020

Otro compositor estonio y otra colección de onras de fuerte impronta romántica. Aunque en este caso la riqueza y la complejidad tonal y tímbrica sean mucho mayores.

Mythos es la novena sinfonía de Tüür y está dedicada a su compatriota Paavo Järvi, que dirige la Orquesta del Festival de Estonia en este disco. Por cierto, ¡qué año lleva Järvi! A mediados de marzo ha ha publicado tres discos extraordinarios: Mahler y Bartók con su orquesta japonesa y ahora éste. La sinfonía indaga en uno de los grandes mitos románticos: el del nacionalismo. Escrita para celebrar el centenario de Estonia, la obra se quiere una exploración de la identidad fino-ungria y de la lucha de los estonios por la independencia. La música de Tüür es siempre una combinación de elementos de diferentes tradiciones modernistas y en esta sinfonía Rautavaara está presente, lero también se oyen ecos del microtonalismo de Ligeti o de la riqueza tímbrica de Lutosławski. La elección de texturas densas y absrobemtes casa bien con la temática mítica y primordial.

En las otras dos obras que completan el álbum las temáticas extraídas del mundo natural y meteorológico acercan aún más la escritura de Tüür a la de otros compositores bálticos y escandinavos.

Como siempre Järvi ofrece interpretaciones que no escogen entre intensidad y precisión.

Les Plaisirs du Louvre. Airs por la Chambre de Louis XIII

Obras de Antoine Boësset, Etienne Moulinie, Jacques Champion de Chambonnières, Louis Couperin, Francois de Chancy, Luis XIII y anónimas.

Ensemble Correspodances
Sébastien Daucé, director

Publicación: harmonia mundi, 20 de marzo de 2020
Primera escucha: 24 de marzo 2020

Una recopilación deliciosa de música del Barroco temprano de la corte de Luis XIII, alejadísimo del fasto de la corte del Rey Sol. Resulta fácil interpretar la música de este álbum como una simplificación de la tradición polifónica del Renacimiento continental y la corte del Louvre como una versión más íntima y doméstica de la que Luis XIV crearía en Versalles.

Las interpretaciones del Ensemble Correspondances -que ha destacado precisamente en grabaciones del repertorio del Rey Sol- son un prodigio de elegancia y sutileza.

Luciano Berio, Coro
Luciano Berio, Cries of London

Coro de Solistas Noruego
Orquesta de la Radio Noruega
Grete Pedersen, dirección

Publicación: BIS, 6 de marzo de 2020
Primera escucha: 24 de marzo de 2020

Coro es una de las obras maestras de la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, su dificultad ha hecho que no se la oiga con frecuencia en las salas de comcierto. Escrita para un coro de cuarenta integrantes y cuarenta instrumentistas, la colocación espacial de los intérpretes en función de factores tímbricos dificulta además la traslación de la obra al disco. Aquí los ingenieros de BIS y el Coro de Solistas Noruego con la ayuda de la Orquesta de la Radio Noruega han hecho un trabajo espectacular por preservar la espacialidad de la obra.

Escrita a partir de fragmentos de un poema de Pablo Neurda y de textos de canciones populares en distintas lenguas, Coro es tal vez el mayor logro de Berio en su intento de trasladar el arte popular a la música clásica. El gusto de Berio por el collage y la cita queda aquí convertido en una explosión gestual del coro que remite al expresionismo abstracto. La tensión entre lo paisajístico/estático de la armonía y el elememto épico/narrativo que crean los contrastes entre las distintas partes y materiales originales constituye el corazón de la obra.

Completa el disco una interpretación de otra obra coral de Berio de los primeros 70, Cries of London. Escrita originalmente para los King’s Singers, es una pieza deliciosa construida a partir de los gritos tradicionales de los vendedores en los mercados londinenses. El juego polifónico resultante alterna con momentos de riqueza melódica y sensibilidad juguetona.

Justin Heinrich Knecht, Le Portrait Musical de la Nature
Ludwig van Beethoven, Sinfonía No. 6, ‘Pastoral’

Akademie für Alte Musik Berlin
Bernhard Forkck, konzertmeister

Publicación: harmonia mundi, 28 de febrero 2020
Primera escucha: 25 de marzo 2020

¿Cómo de harto de la música de Beethoven llega uno a mediados de marzo? Ahora que la saturación que causaría la programación unicua en las salas de concierto ha quedado anulado de un plumazo virico, tal vez nos quede más paciencia para explorar un nuevo ciclo sinfónico. harmonia mundi se ha propuesto grabar de nuevo las nueve sinfonías del de Bonn con tres de mis orquestas favoritas de entre las especializadas en interpretaciones historicistas: la Akademie für Alte Musik Berlin, Les Siècles y la Freiburger Barockorchester.

Los berlineses comienzan el ciclo con una Sexta prodigiosa. La elecciones estilísticas son claras sin ser excéntricas: la decisión de no usar un director sino dejar la tarea al konzertmeister obliga a reducir la dimensión de la orquesta como para que pueda sonar en un salön, las dimensiones reducidas de la sección de cuerdas permite una apuesta por la nitidez de líneas y dejan espacio a los vientos para que se conviertan a menudo en protagonistas, el lirismo introspectivo del segundo movimiento se encuentra entre los más logrados de una discografía apabullante y, sobre todo, la decisión de ralentizar el tercer y cuarto movimientos mucho más de lo que Beethoven indicara y lo habitual estos días los acerca a un estilo galante que funciona maravillosamente como versión alternativa. Las dudas que podría generar la efectividad del quinto movimiento con comtigentes tan magros se disipa en los primeros compases. Si no te queda otra que volver a grabar una sinfonía de Beethoven, al menos que sea así de bien.

Abre el disco una sinfonía de Justin Heinrich Knecht, casi contemporáneo de Beethoven. Su Retrato musical de la Naturaleza se estreno veinte años antes de la Pastoral y nos muestra a un compositor de genio para las melodías y la orquestación. Resulta inevitable oír su sinfonía con mentalidad teleológica, buscando qué tiene de predecesora de la de Beethoven. La orquesta no invita a superar ese enfoque de la mejor manera posible: con una interpretación formidable y trepidante.

Baxter Dury, The Night Chancers

Publicación: 20 de marzo 2020
Primera escucha: 25 de marzo 2020

Si el joven Scott Walker encontró su identidad artística construyendo una versión fría y swinging-sixties-y de Jacques Brel, Baxter Dury ha sabido inventarse un Gainsbourg boomer y londinense que vuelve a casa de madrugada con unos cuantos lamparones en el taxi. Música para cuando volvamos a pasear por las calles con auris.

Diana Damrau, Richard Strauss

Richard Strauss, Vier letzte Lieder y otras canciones

Diana Damrau, soprano
Helmut Deutsch, piano
Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara
Mariss Jansons, director

Publicación: Erato, 31 de enero 2020
Primera escucha: 26 de marzo 2020

No andamos cortos de grabaciones extraordinarias de las últimas cuatro canciones de Richard Strauss. Elisabeth Schwarzkopf, Jessye Norman, Soile Isokoski y, recientemente, Lisa Davidsen han grabado mis preferidas.

Esta nueva grabación con la muy straussiana Diana Damrau y el fallecido Jansons tiene algo de trágico: las Cuatro Últimas Canciones con la Damrau fueron el programa del último concierto que el letón dirigió en Nueva York. Esta grabación data del mes de enero de 2019 y debería haber sido el inicio de un disco dedicado entero a la música de Strauss. Ahora el álbum se ha acabado con otros lieder para voz y piano interpretados por la soprano y Helmut Deutsch.

A pesar de la calidad extraordinaria de las interpretaciones y de la grabación, este nuevo añadido a la cumbre lírica de Strauss no alcanza las versiones de referencia arriba mencionadas. Impresiona, eso sí, la transparencia prodigiosa de las texturas orquestales, que hacen volver a lamentar la pérdida de Jansons.

Adélaïde Ferrière, Contemporary

Iannis Xenakis, Rebonds A y B
Bruno Mantovani, Moi, jeu…
Philippe Hurel, Loops II y IV
Franco Donatoni, Omar
Richard Rodney Bennett, After Syrinx II for solo marimba
Iannis Xenakis, Psappha

Adélaïde Ferrière, percusión

Publicación: Evidence, 14 de febrero 2020
Primera escucha: 26 de marzo 2020

Más de una hora dedicada a música clásica contemporánea para percusión. Por favor, no se agolpen. Y, sin embargo, a pesar de lo árido que puede parecer, este disco es un catálogo de maravillas que la joven percusionista francesa Adélaïde Ferrière interpreta con precisión, inventiva y una riqueza sonora prodigiosa.

La importancia de las piezas es muy variable y son las dos obras de Xenakis las que justifican ellas solas el disco entero. En Rebonds el juego constante de repetición y transformación de unidades celulares básicas crean una obra sorprendentemente accesible y bella. Psappha, dedicada a la poetisa de Lesbos, es una obra de prodigiosa intensidad telúrica.

Dimitri Shostakovich, Sinfonía No. 8

Orchestre National du Capitole de Tolouse
Tugan Sokhiev, director

Publicación: Warner, 6 de marzo 2020
Primera escucha: 26 de marzo 2020

La Octava de Shostakovich es una de sus sinfonías menos interpretada en directo. Y, sin embargo, es sin duda una de las mejores. Ya tras su estreno en 1943 tuvo que enfrentarse a una acogida fría por parte de las autoridades culturales stalinistas, que primero decidieron disfrazarla de homenaje a los muertos en el sitio de Stalingrado y más tarde la prohibieron. La tonalidad de Do Menor y un final sólo aparentemente optimista han hecho que muchos críticos la sitúen en la larga lista de sinfonías en esa tonalidad que proponen un viaje desde la oscuridad hasta la luz. Sin embargo, la cosa es mucho más compleja: la extensión y la compleja arquitectura de la obra la sitúa, en mi opinión, en el centro de la producción de su autor y la habitual tensión entre movimientos trágicos y movimientos sardónicos queda triangulada aquí por un anhelo de paz emocionante.

Lo confieso, tal vez porque me manejo mejor en esos idiomas, tengo cierta tendencia a centrar mis escuchas musicales a los ámbitos de las producciones anglosajonas y alemanas. En Francia, parece que sólo existieran ensembles dedicados a la música barroca y amtigua y la Orchestre de Paris. Sin embargo, esta orquesta tolosana, a la que he visto en vivo en alguna ocasión, es una de las mejores europeas y con esta grabación lo demuestran.

La lista de las grabaciones de la Octava de Shostakovich se sitúa a la sombra de dos grabaciones soviéticas legendarias: la de Evgeni Mravinsky, dedicatario original de la sinfonía, con la Filarmónica de Leningrado y la de Kondrashin con su comtrapartida moscovita. Ambas versiones son contundentes y de una intensidad apabullante, aunque en ambas se pierdan detalles en el jaleo general. Mi versión preferida es, sin duda, la de Bernard Haitink y la orquesta del Concertgebouw. Haitink es un experto en Bruckner y se enfrenta a la más descomunal de las sinfonías de Shostakovich con la paciencia y la sensibilidad por las grandes estructuras que el austriaco demanda. Recientemente, Vasily Petrenko ha publicado una grabación de la sinfonía con la Filarmónica de Liverpool que también ha sabido convertirse en versión de referencia. Versiones de Jansons, Nelsons y Noseda disfrutan también de buena reputación, aunque me parecen inferiores a las de Haitink y Petrenko, y las de Rostropovich y Gergiev con la London Symphony me parecen desastres sin paliativos, aunque por razones opuestas. Sokhiev apuesta aquí por un enfoque similar al de Haitink: atento a la arquitectura y al detalle, con tempi ligeramente más pausados que los de Petrenko, pero sin perder de vista la esencia dramática de la obra. Llama de verdad la atención la nitidez de ciertas líneas y momentos solistas en una obra de masas sonoras tan densas y compactas, mérito tanto de los técnicos de somido como del propio director. Una nueva versión importante de una obra esencial.

Dietrich Buxtehude, Cantates pour voix seule. Manuscrits d’Uppsala

Dietrich Buxtehude, Dixit Dominus
Dietrich Buxtehude, Herr, wenn ich nur dich hab
Dietrich Buxtehude, Sicut Moses
Dietrich Buxtehude, Sonate VI
Franz Tunder, Ach Herr, lass deine lieben Engelein
Johann Philipp Förtsch, Aus der Tiefen ruf ich Herr zu dir
Gabriel Schütz, Sonate pour deux violes de gambe.
Christian Geist, Resurrexi adhuc tecum sum.
Anónimo, Sonate pour trois violes de gambe.

Maïlys de Villoutreys, soprano
La Rêveuse
Florence Bolton y Benjamin Perrot, dirección

Publicación: Mirare, 14 de febrero 2020 Primera escucha: 27 de marzo 2020

Un álbum delicioso que recoge cantatas para soprano de Dietrich Buxtehude y otros contemporáneos suyos en la ciudad de Lübeck. El sonido del conjunto francés La Rêveuse es limpio y elegantísimo y la soprano Maïlys de Villoutreys, a la que oigo aquí por primera vez, canta con voz cristalina y sabe adecuarse a la espiritualidad meditativa y sentimental de las obras. Interpretaciones notables del repetorio barroco luterano de la generación anterior a Bach.

Myrkur, Folkesange

Publicación: 20 de marzo 2020
Primera escucha: 27 de marzo 2020

De Myrkur, alias musical de la danesa Amalie Bruun, había oído un par de discos dedicados a algo que podríamos llamar “death metal de buen gusto”. En este nuevo álbum la artista deja pocos elementos del metal anterior para centrarse en interpretaciones atmosféricas de canciones del folclore escandinavo. A ratos suena a banda sonora de scandinoir (por segunda vez en este mes, de modo que la culpa debe de ser mía) y a ratos a aquellas bandas como Clanad que mezclaban folk y new age hace veinte años. Ideal si vas a conducir por los fiordos.

Antonio Vivaldi, Concerti per flauto

Giovanni Antonini, flauta y dirección
Il Giardino Armonico

Publicación: alpha classics, 27 de marzo 2020
Primera escucha: 29 de marzo 2020

Antonini y su Giardino Armonico llevan décadas grabando discos formidables dedicados sobre todo al repertorio barroco, pero los últimos años y gracias a su colaboración con el sello alpha lo han encontrado en una racha de logros sin precedentes. La morte de la ragione, su exploración de la locura en la música del Renacimiento, estuvo entre lo mejor de 2019 en prácticamente todas las listas y su proyecto para grabar la integral de las sinfonías de Haydn -del que han aparecido hasta hoy ocho volúmenes y que se prolongará hasta 2032- es tal vez el proyecto de largo aliento más interesante en la música clásica actual. Aún así, han encontrado tiempo para volver al autor que les hizo famosos a mediados de los 80 en esta formidable recopilación de los conciertos para flauta de Vivaldi.

En mi opinión, sólo Alessandrini y su Concerto Italiano se acercan al Giardino en el repertorio de Vivaldi y aquí Antonini y los suyos están especialmente acertados. Su Vivaldi es siempre intenso y lleno de vida, y sirve de perfecta refutación de quienes acusan al cura veneciano de ser un compositor monótono y repetitivo. Música ideal para las mañanas de aislamiento.

Chen Reiss. Immortal Beloved. Beethoven Arias

Arias de Ludwig van Beethoven

Chen Reiss, soprano Academy of Ancient Music
Richard Egarr, director

Publicación: 20 de marzo 2020
Primera escucha: 30 de marzo 2020

Tal vez el disco que más he disfrutado en lo que va de año Beethoven, este álbum recoge arias dedicadas al amor femenino extraídas de distintas obras del compositor.

Chen Reiss es una soprano de origen israelí que recientemente ha participado sobre todo en montajes en las óperas de Munich y Viena. Aquí se hace acompañar por el conjunto londinense de Richard Egarr en este homenaje a las figuras femeninas en la obra de Beethoven. La voz de Reiss es poderosa -el disco no escatima en agudos prodigiosos- e intensamente lírica y emocional.

Sin duda, las arias de este disco no están a la altura de otras obras de Beethoven, pero la originalidad y el encanto del disco y su capacidad para mostrarnos facetas menos exploradas de su obra lo convierten en un homenaje ideal en este doscientos cincuenta aniversario de su nacimiento.

Leonard Bernstein, Sinfonía No. 1 ‘Jeremías’
Leonard Bernstein, Sinfonía No. 2 ‘La edad de la ansiedad’

Anna Larsson, mezzo-soprano
Roland Pontinen, piano
Orquesta Filarmónica del Ártico
Christian Lindberg, director

Publicación: 6 de marzo 2020
Primera escucha: 30 de marzo 2020

Siempre he tenido problemas con las sinfonías de Bernstein. Me divierte oírlas, sí. Pero la sensación de pastiche y de encontrarme ante un armatoste artificial no me abandona nunca. Esta grabación no ha hecho nada por disipar esa impresión.

La Primera Sinfonía oscila entre ecos de Copland y pasajes mahlerianos. La Filarmónica del Ártico -una orquesta notable con base en Tromsø y Bodø- ofrece una interpretación consistente pero que no puede competir con la del propio Bernstein dirigiendo la Filarmónica de Nueva York. Eso sí, el movimiento cantado, con la entrada de la divina Anna Larsson envuelta en una bruma sonora que la hace parecer el resultado de una seance mahleriana, resulta inmejorable y efectivísimo.

De la Segunda Sinfonía también existen grabaciones superiores a ésta. De forma especial la de Rattle con la Sinfónica de Londres y Zimmerman al piano. Sin embargo, esta versión es también excelente, sobre todo gracias al trabajo de Pontinen. Con ganas de simplificar y un poco de mala volumtad se podría decir que el concepto de la sinfonía es Mahler con el folclore mitteleuropeo reemplazado por jazz. La clave del éxito es el comtraste entre el trabajo del piano y las sonoridades orquestales y aquí el juego funciona.

Rustin Man, Clockdust

Publicación: 20 de marzo 2020 Primera escucha: 30 de marzo 2020

Los dos últimos discos de Rustin Man –Drift Alone, del año pasado, y éste- suponen una lección ejemplar sobre cómo romper el mito del artista poco prolífico. Inevitablemente asociada a la de Mark Hollis, su compañero en la mítica banda Talk Talk, la carrera de Paul Webb parecía llamada a la dispersión. Desde la disolución de la banda, Hollis grabó un único album -genial y brevísimo- y produjo o escribió un puñado de temas sueltos en colaboraciones más o menos desconocidas. Paul Webb, por su parte, creó el alias Rustin Man para publicar hace casi veinte años un disco prodigioso junto con la cantante Beth Gibbons y después utilizó el nombre de O.rang para otro disco interesante y poco conocido. Sin embargo, de repente, Webb ha recuperado el alias de Rustin Man para publicar dos discos en poco más de un año. La clave, en sus propias palabras, ha sido cierta falta de ambición, la idea de aceptar publicar “un puñado de canciones de las que no me vaya a avergonzar demasiado”. Y el truco funciona: ambos discos pasarán semidesapercibidos -si por ello entendemos que no recibirán reseñas eufóricas en Pitchfork ni figurarán en las listas de lo mejor del año de ls grandes revistas especializadas-, pero justo en su humildad aparecen como dos colecciones poderosas de canciones y de atmósferas.

La clave del éxito de Clockdust estriba en su sonido: grabado entero en casa de su autor, incluso en sus momentos más elaborados transmite un aire de espontaneidad y de cercanía y parece invitar a una escucha junto al fuego. La otra gran virtud de estas canciones es cierta cualidad hipnagógica, que las vinculan al Electric Eden del que escribe Rob Young en su libro imprescindible sobre el folk británico. Las canciones de Rustin Man pertenecen a la misma Polyalbion que nos ha dado lo mejor de Talk Talk, David Sylvian, Broadcast o de los artistas del sello Ghost Box.

Víkingur Ólafsson, Debussy – Rameau

Obras de Claude Debussy y Jean-Philippe Rameau

Víkingur Ólafsson, piano

Publicación: Deutsche Grammophon, 27 de marzo 2020 Primera escucha: 31 de marzo 2020

Después de sus álbumes dedicados a Bach y Glass, es imposible no sentirse excitado ante el nuevo lanzamiento del pianista islandés. Esta vez su propuesta es la de crear una conversación entre dos de los compositores franceses que más han contribuido a definir la música para teclado. Los doscientos años que separan a Rameau de Debussy no parecen haberle preocupado a Ólafsson, que parte de una declaración del segundo que consideraba al primero “nuestro contemporáneo”. Y, en efecto, como contemporáneos trata a ambos el islandés: su sonido es cristalino y su cadencia cerebral y levement melamcólica ha llevado a varios críticos a comprarlo con Glenn Gould.

La clave aquí es la sinestesia. El experimento que Ólafsson nos propone es el de leer a Rameau como el padre de la armonía francesa, que Debussy recoge y deconstruye. Las piezas de uno y de otro se intercalan e interrumpen constantemente y si el diálogo es la primera metáfora, la pintura es por fuerza la segunda: el disco parece una comversación, pero también un cuadro pintado a cuatro -o seis, en realidad- manos.

Cada nuevo disco de Víkingur Ólafsson es a la vez una delicia y un reto. Éste también.

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