Primera escucha (Abril 2020. Primera Parte)

Os dejo aquí las primeras escuchas del mes de abril. A pesar del confinamiento son menos que en marzo y febrero, sobre todo porque tengo la tradición de no oír más que un puñado de grabaciones litúrgicas durante la Semana Santa, pero también porque ando preparando algo que espero aparezca pronto por aquí.

There Will Come Soft Rains

Obras corales de Ēriks Ešenvalds

Pacific Lutheran University Choir of the West
Richard Nance, director

Publicación: Signum Records, 17 de enero 2020
Primera escucha: 1 de abril 2020

La tradición del canto coral en las naciones bálticas es uno de los pilares culturales de su identidad colectiva y de ahí la abundancia de formidable escritura para coro procedente de ese pequeño rincón de Europa. Ešenvalds es uno de los compositores más solicitados en este género y esta antología de obras suyas demuestra porqué. La escritura coral de Ešenvalds demuestra una inteligencia prodigiosa a la hora de crear riqueza de texturas y de desarrollos en piezas que están escritas de modo que puedan ser cantadas por coros tanto profesionales como amateur. Aunque predomina lo homofónico sobre la polífonía, las armonizaciones y la participación puntual de instrumentos solistas evitan el cansancio sonoro. Se trata, por supuesto, de música tonal y poco arriesgada, pero satisfactoria.

Stabat

Arvo Pärt, Da Pacem
Arvo Pärt, The Woman with the Alabaster Box
Pēteris Vasks, Plainscapes
Arvo Pärt, Magnificat
Arvo Pärt, Nunc Dimittis
James MacMillan, Miserere
Arvo Pärt, Stabat Mater

Choir of Clare College, Cambridge
The Dmitri Ensemble
Graham Ross, director

Publicación: harmonia mundi, 27 de marzo 2020
Primera escucha: 2 de abril 2020

El coro del Clare College de la Universidad de Cambridge nos ofrece aquí una interpretación de un puñado de obras corales de Arvo Pärt con resultados desiguales. La decisión de utilizar un coro amplio y la acústica del espacio de grabación matan casi todos los matices de la obra central del disco, el Stabat Mater. Funcionan mejor el Da Pacem y el Magnificat, pero con la oferta de grabaciones de ambas obras, estas versiones suenan superfluas. El Miserere de MacMillan, tal vez la obra coral británica más importante del siglo XX, también lucha por dejarse oír. A pesar de una interpretación correctísima y llena de sentimiento, los momentos más sutiles se pierden en la reverberación del espacio. Cualquiera que haya oído la grabación de The Sixteen podrá apreciar las diferencias.

Sin embargo, el disco oculta una verdadera joya: la versión que el coro ofrece del Plainscapes de Pēteris Vasks -una pieza prodigiosa y prodigiosamente atmosférica- es deslumbrante y tal vez superior en emoción y color a la que hasta ahora había sido mi grabación de referencia, la del Coro de la Radio Latvia para Ondine. La pieza describe el paisaje de las planicies bálticas y evoca con belleza un paseo al amanecer en una versión renovada de la tradición romántica.

Childish Gambino, 3.15.20

Publicación: 22 de marzo 2020
Primera escucha: 2 de abril 2020

Hace poco leí que el nuevo disco de Childish Gambino hace todo lo que Kanye West dice que hace su música pero no consigue hacer. Es tal vez la mejor definición de un disco fragmentario con múltiples vías de acceso pero también muchos callejones sin salida.

Felicia Atkinson, Everything Evaporate

Publicación: Mute Song, 3 de abril 2020
Primera escucha: 3 de abril 2020

En su nuevo EP, Felicia Atkinson continúa su exploración del discurso hablado y las técnicas ASMR aplicadas a la música ambient. En este caso, el modelo es el de los momentos de súbita lucidez que sirven de pausa en procesos de transición, epifanías desde las que se hace posible la reevaluación de lo que dábamos por asimilado y la apertura de nuevas posibilidades y perspectivas.

La voz de la músico francesa vuelve a ser la protagonista, como siempre transmitiendo esa sensación de duermevela, más hipnotizada que hipnótica, sobre -o, tal vez, sea mejor escribir “entre”- un mar de drones, campanas, gongs, marimbas y notas desgranadas al piano. Esta vez se añaden otras voces, a veces canadas, más en el fondo que en primer plano.

Un nuevo añadido a una de las discografías más interesantes de la música electrónica reciente.

Ludwig van Beethoven, Sinfonía No. 5

MusicAeterna
Teodor Currentzis, director

Publicación: 3 de abril 2020 Primera escucha: 4 de abril 2020

Sin duda, el disco más comentado del mes. No voy a hablar aquí de lo que pienso de un disco que dura media hora y tiene como programa exclusivo la Quinta de Beethoven, esa desconocida. Lo importante ahora es analizar el consenso según el cual esta interpretación es, por alguna razón, reveledora o revolucionaria. Currentzis se propone restaurar el espíritu de una obra maltratada. Su aproximación, en sus palabras, no es ni la del reproductor ni la del historiador, sino la del ‘poeta’. Y es innegable que al oír la sinfonía, y ya desde los primeros acordes, nos damos cuenta de que ésta no es una versión al uso. ¿En qué consiste pues esta novedad? Habría que distinguir dos aspectos: la interpretación y la grabación.

Currentzis y su orquesta de instrumentos de época nos ofrecen, sin duda una interpretación vibrante, de ritmos frenéticos. Cualquier atisbo de vibrato ha desaparecidoo y las cuerdas suenan como cuchilladas. Sin embargo, ya desde el principio este Beethoven hormonado suena mecánico: no tanto militar, como carente de cualquier contraste. Currentzis es algunos segundos más rápido que Norrington o Krivine, pero no que Chailly, por comparar con mis versiones históricamente informadas de referencia. El problema no es aquí la velocidad ni la perfección técnica, que es apabullante, sino la falta absoluta de sentido musical: la arquitectura de la pieza desaparece, las tensiones y contrastes dinámicos dejan lugar a una yuxtaposición de primerísimos planos. Nada fluye, sino que todo suena en bloques compactos. Desde luego, conocemos lo suficiente la obra para que no perdernos en esta interpretación histriónica y seguramente en directo me habría parecido un despropósito entretenido aunque menos original de lo pretendido.

El verdadero problema surge con la estrategia de grabación, al parecer también controlada por Currentzis. No es el primer disco de música clásica en el que me encuentro con una estética sonora procedente del pop, pero sí que es el ejemplo más evidente. La grabación aquí no se propone reproducir la experiencia de la sala de conciertos, sino que nos propone de nuevo constantes primeros planos. Ni un plano general, ni siquiera la más remota posibilidad de que unos elementos queden detrás o debajo de otros y haya que buscarlos o que se integren en un todo. No quiero entrar aquí en un debate de principios acerca de si es legítimo grabar a Beethoven, Mozart o Wagner sin tener la experiencia de la sala de conciertos como modelo. Mi problema con esta estrategia de grabación es estética: cuando todo ocurre tan delante de tus narices y mo hay riesgo de perderse nada porque cada elemento no deja de gritarte que está ahí, a lo que se nos está invitando es a una escucha menos atenta.

Johan Sebastian Bach, Harpsichord Concertos

Johan Sebastian Bach, Conciertos para clave, BWV 1052, 1053, 1055 y 1058

Il Pomo d’Oro
Francesco Corti, clave y dirección

Publicación: Pentatone, 20 de marzo 2020
Primera escucha: 6 de abril 2020

Il Pomo d’Oro no da paso en falso y, tras la gloriosa Agrippina de Handel reseñada en este blog el mes pasado, nos ofrecen versiones vibrantes y vivísimas de cuatro conciertos para clave de Johann Sebastian Bach. Abundan las buenas grabaciones de estas piezas, pero las del Pomo d’Oro no tienen nada que envidiar a ninguna de ellas.

Irreversible Entanglements, Who Sent You?

Camae Ayewa, voz
Keir Neuringer, saxo, percusión
Aquiles Navarro, trompeta, percusión
Luke Stewart, contrabajo, percusión
Tcheser Holmes, batería, congas

Publicación: International Anthem, 20 de marzo 2020
Primera escucha: 7 de abril 2020

Cualquiera que conozca el trabajo de Camae Ayewa bajo el alias Moor Mother sabrá que la poeta, músico y activista de Philadelphia es una de las figuras más potentes de la vanguardia contemporánea. Sin embargo, su trabajo con el conjunto Irreversible Entanglements apunta menos hacia el futuro que hacia el pasado. Como ya ocurría con su primer disco, este Who Sent You? remite directamente al free jazz de los 70 y funciona casi como un ejercicio de nostalgia activista. No es algo increíblemente excitante, pero sí muy satisfactorio.

Elision, world-line

Richard Barrett, world-line
Timothy McCormack, subsidence
Liza Lim, Roda (The Living Circle)

Elision Ensemble

Publicación: NMC Recordings, 15 de noviembre 2020
Primera escucha: 7 de abril 2020

Elision es uno de los colectivos más interesantes y valientes dedicados a la interpretación de música contemporánea. Su virtuosismo y su capacidad de enfrentarse a obras complejas y texturas densas ha atraído a algunos de los mejores compositores de las últimas décadas que han escrito a menudo para ellos sus mejores obras. En este nuevo disco del ensemble encontramos tres onras diferentes y absolutamente fascinantes.

world-line es una de las obras más logradas de Richard Barrett. Escrita para la solista Daryl Buckley y su guitarra lap-steel, la obra se comstruye como una serie de duetos en los que la solista interactúa con otros miembros del conjunto: trompeta, percusión y electrónica. En una primera escucha me ha parecido un ejemplo logradísimo y sorprendentemente conmovedor de interacción entre composición e improvisación.

No conocía a McCormack antes de oír este disco. Su contribución, también para lap-steel, propone un viaje descendente que tiene algo de maelstrom. El disco se cierra con una reelaboración de Roda, de Liza Lim, una obra notable para conjunto que aquí se convierte en un vehículo para el trompetista Tristam Williams. De nuevo los bailes marciales de la roda de la capoeira nrasileña son la referencia y el resultado es al mismo tiempo exultante y lírico.

Jeff Parker, Suite for Max Brown

Publicación: International Anthem, 24 de enero 2020
Primera escucha: 7 de abril 2020

La tensión y los repentinos acuerdos entre lo maquínico y lo humano, entre loops e improvisación, están en el corazón del disco más logrado de Jeff Parker hasta la fecha. Aunque su guitarra inconfundible está presente (a ratos recordando su trabajo hace veinte años como miembro de Tortoise), la riqueza de sonoridades y texturas del disco es uno de sus principales atractivos. Tanto en los temas propios como en versiones logradísimas de clásicos de Joe Henderson y John Coltrane, el disco es una perfecta encarnación del viejo lema chicagoano Ancient to the Future.

Charles Ives, Sinfonía No. 3, ‘The Camp Meeting’
Charles Ives, Sinfonía No. 4

San Francisco Symphony Orchestra
Michael Tilson Thomas, director

Publicación: SFSmedia, 8 de noviembre 2019
Primera escucha: 8 de abril 2020

Tilson Thomas publica en el sello de la Sinfónica de San Francisco dos nuevas versiónes de las dos últimas sinfonías de Charles Ives. Sus grabaciones anteriores de ambas obras ya era excelentes, pero éstas las superan y están llamadas a convertirse en grabaciones de referencia.

La Tercera Sinfonía, inspirada por las reuniones de fieles evangélicos en praderas, es una obra rica en referencias y construida a partir de citas que se superponen. El disco ofrece antes de la sinfonía algunos de los himnos que reaparecen transformados en la obra. La versión es musculosa y atenta a los detalles y el sonido captura de forma notable el sonido de la sala de conciertos.

La Cuarta Sinfonía se ha consolidado durante las úñtimas décadas como una de las obras fundamentales del siglo XX. En ella, Ives culmina su gusto por la utilización de materiales preexistentes, la conversión de polifonías y polirritmos en auténticas explosiones de ruido y también su lirismo popular. La complejidad de la obra exige que necesite la participación de dos directores en su interpretación y ha hecho que sea mucho menos interpretada de lo que sería deseable. (De hecho, si no me equivoco, a día de hoy sigue sin estrenarse en España.) De nuevo, la interpretación capta la esencia poliédrica de la obra con un sonido prodigioso. Tilson Thomas juega en casa con este repertorio que heredó de su maestro Bernstein y sabe extraer de la partitura todos los matices y contrastes.

(Sigue leyendo aquí.)

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