Primeras escuchas (enero 2021)

Comienzo este año mi serie dedicada al repaso de novedades discográficas con un puñado de lanzamientos de 2020 que se habían quedado atascados en mi lista de escuchas pendientes.

A la espera de volver a los auditorios, esta sección seguirá ocupando un lugar central en mi blog y sirviendo de desahogo a mi vicio de la escucha comparada. Este año he decidido dejar fuera de estos repasos la música pop. Repasando los posts de 2020 me doy cuenta de que rara vez tengo nada que decir de los discos pop que me gustan y que mis comentarios no los iluminan particularmente.

Du Yun, A Cockroach Tarantella

JACK Quartet
Du Yun, narradora

Publicación: Modern Sky, 13 de agosto de 2020
Primera escucha: diciembre 2020 y 3 de enero 2021
Género: clásica contemporánea, cámara

Publicado a mediados del año pasado, no le he dedicado a este disco el tiempo y la atención que merece hasta pasados los compromisos navideños. Escrita en 2006 como pieza de acompañamiento a su primera ópera, Zolle, esta Tarantella de la cucaracha explora los temas kafkianos de la regresión y la resurrección en un relato juvenil pero logradísimo. La música para cuarteto de cuerda escrita como acompañamiento de la narración-interpretada aquí con la valentía, la pasión y el virtuosismo habituales del JACK Qartet- reproduce los zumbidos y chirridos de la vida de los imsectos y sus velocidades y discontinuidades brownianas. La pieza aparece dos veces en el disco, en su versión orogonal en chino y después en una traducción al inglés de 2019. En ambos casos, la voz narradora es la de la propia compositora.

La otra obra de este disco, Tattoed in Snow es más reciente. Escrita en 2015 por encargo de la marca de ropa de deportes de invierno PEAK Performance, esta composición para cuarteto de cuerda explora el fenómeno de la cristalización en la naturaleza. A partir de un sistema de repetición y superposición en capas de una melodía que evoca el canto medieval, el juego espacial y temporal que se establece entre los cuatro miembros del cuarteto adquiere una cualidad escultórica. Escrita originalmente y estrenado por el Shanghai Quartet, la obra encaja a la perfección con las virtudes y los intereses del JACK, que ofrece aquí una interpretación memorable.

Andreas Hammerschmidt, Ach Jesus Stirbt

Vox Luminis
Lionel Meunier, director

Publicación: Ricercar, 25 de septiembre 2020
Primera escucha: 5 de enero 2021
Género: barroco, vocal

De haber oído este disco antes del final de año, sin duda habría estado entre mis favoritos de 2020. El conjunto Vox Luminis vuelve a lograr presentarnos un repertorio relativamente menor del Barroco alemán y mostrarlo como verdaderamente esencial.

Como la de Schütz o Scheidt, la música de Hammerschmidt adapta a la sensibilidad alemana y protestante la revolución musical italiana de los siglos XVI y XVII y en este disco se puede apreciar la personal relectura que del madrigal hace este compositor de origen bohemio reasentado en el norte de Alemania después de que su territorio natal se adhiriera a la lealtad romana durante la Guerra de los Treinta Años.

La selección que graba aquí el ensemble dirigido por Lionel Munier (con la ayuda instrumental ocasional de Clematis) recorre el ciclo de la muerte y resurrección de Jesucristo. Las primeras piezas remiten de forma directa a las Exequias Musicales de Schütz en su aire solemne y contrito, pero a partir del séptimo corte -un arreglo de la famosísima coral Christ lag in Todesbanden– el recital entra en territorio pascual. El añadido de los metales abre paso a un territorio sonoro más luminoso.

La verdadera esencia de esta música radica en la complejísima articulación entre coro y solistas -dos cortes cercanos al final del disco, Ist nicht Ephraim mein theurer Sohn y Ich fahre auf zu meinen Vater, son muestra prodigiosa de ello- y Vox Luminis y los ingenieros de sonido de la grabación saben mantener el equilibrio entre unos y otro de forma admirable sin por ello perder un ápice de intensidad emocional.

Un disco esencial para estos tiempos en los que el consuelo espiritual parece tan necesario.

Gustav Mahler, Das Lied von der Erde

Violeta Urmana, alto
Clifton Forbis, tenor
Orchestre National de Lille
Jean-Claude Casadesus, director

Publicación: Evidence, 4 de diciembre 2020
Primera escucha: 7 de diciembre 2021
Género: clásica

El sello Evidence recupera ahora esta grabación en directo de 2008 durante el Festival de Saint-Denis de la Canción de la Tierra por la Orquesta Nacional de Lille y el que fuera su director durante tantos años, Jean-Claude Casadesus. Lamentablemente, el público ruidosísimo hace que el disco sirva como testimonio de aquel día pero no como versión digna de tener en cuenta de la obra maestra de Mahler.

Casadesus es un notable mahleriano, de los que apuestan por la claridad y la riqueza de matices antes que por dejarse llevar por arrebatos. Sin embargo, y aunque el trabajo de las maderas es excelente, aquí su orquesta parece a punto de descarrilar en un par de ocasiones.

Urmana es una de mis intérpretes favoritas de esta obra. La naturaleza a un tiempo cálida y brillante de su voz y su capacidad de mantener en todo momento el control sin perder la emoción se muestra aquí tanto como en la grabación que hiciera con Pierre Boulez y la Filarmónica de Viena, una de las imprescindibles de esta obra.

Un añadido curioso para completistas, pero en líneas generales perfectamente prescindible. Hace no mucho reseñaba aquí otras tres grabaciones recientes mucho más interesantes.

César Franck, Le Chasseur Maudit
César Franck, Psyché
César Franck, Les Éolides

RCS Voices
Royal Scottish National Orchestra
Jean-Luc Tingaud, director

Publicación: Naxos, 22 de mayo 2020
Primera escucha: 10 de enero 2020
Género: clásica

A pesar de su influencia en la música francesa de finales del siglo XIX, la música orquestal de Franck ha dejado de formar parte del repertorio habitual de los auditorios actuales. Tan sólo su única sinfonía se interpreta con cierta regularidad. Este disco de Naxos recupera tres poemas sinfónicos del francés en versiones notables de la RSNO.

La obra principal del disco es Psyché, de la que abundan grabaciones parciales (Barenboim, Cluytens o Ashkenazy, entre las mejores), pero de la que sólo he oído otra grabación completa, realizada también por una orquesta británica (Otaka y la Orquesta de la BBC de Gales). En sus mejores momemtos, esta pieza algo irregular ofrece una mezcla original y exitosa del refinamiento melódico francés con atmósferas y desarrollos armónicos wagnerianos. Los fragmentos corales -justo los que suelen desaparecer en las grabaciones parciales- están bastante menos logrados.

Le Chasseur Maudit es una obra más enérgica y lograda. La orquesta escocesa ofrece una lectura intensa y oscura excelentemente grabada por los técnicos de Naxos. El disco cierra con una miniatura que desconocía, Les Éolides.

Gustav Mahler, Sinfonía No. 7

Orchestre National de Lille
Alexandre Bloch, director

Publicación: alpha, 25 de septiembre 2020
Primera escucha: 13 de enero 2021
Género: clásica, orquestal

Tras la decepcionante Canción de la Tierra de hace unos días, me pongo con reservas esta Septima de la Orquesta Nacional de Lille bajo la dirección de su nuevo director, Alexandre Bloch. El resultado es bien distinto.

La orquesta francesa demuestra en este disco que tiene la talla necesaria para competir en el panorama europeo con otras grandes orquestas que están grabando Mahler. Esta Séptima suena francesa en la claridad de sonido y en una cierta insuficiencia de los graves, pero Bloch ofrece una lectura inteligente de la más complicada de las sinfonías mahlerianas, jugando sabiamente donde soltar un poco las riendas de la vulgaridad, el sentimentalismo y las teatralidad que esta obra exige.

Es una pena que los dos movimientos apodados Nachtmusik esa inteligencia evite la sensación de ambigüedad que encuentro en varias de mis grabaciones favoritas de la sinfonía. En particular, el Andante termina por sonar anodino de pura literalidad. Boulez o Gielen también apuestan por la nitidez sobre lo atmosférico, pero dejan más abierta la interpretación. El momento álgido de esta versión es el Scherzo, verdaderamente afilado e incisivo. Hay algo de raveliano en esta interpretación.

Por supuesto, esta Séptima no se acerca a mis favoritas -Abbado, Barenboim, los ya mencionados Boulez y Gielen, el primer Bernstein, Jansons- ni puede competir con las exceñentes grabaciones recientes de Vänskä e Ivan Fischer. Aún así ha sido una sorpresa agradable.

Musica Viva, Vol. 35

Rebecca Saunders, Still (Violin Concerto)
Rebecca Saunders, Aether
Rebecca Saunders, Alba

Still: Carolin Widmann, violín
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Ilan Volkov, director

Aether: Carl Rosman y Richard Haynes, clarinete bajo

Alba: Marco Blaauw, trompeta
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Peter Eötvös, Leitung

Publicación: BR Klassik, 16 de octubre 2020
Primera escucha: 14 de enero 2021
Género: clásica, contemporánea

La orquesta de la radio de Baviera, tan de moda este mes, publicó el año pasado este volumen dedicado a la compositora Rebecca Saunders. Recoge dos de sus obras esenciales de la década pasada: un concierto para violín y otro para orquesta. Ambas piezas las oí en vivo en Glasgow, con la orquesta de la BBC, los mismos solistas y Volkov como director.

Still es tal vez la obra imprescindible de este disco. Como tantas otras piezas de Saunders parte de un texto de Samuel Beckett y explora de forma exhaustiva un número ilimitado de elementos. En este caso, la tensión entre el significado de still como quieto, inerte o imcluso silencioso y su uso posible como indicador de continuidad, le sirve a la anglo-alemana para encadenar una serie de fragmentos en los que el somido se desenvuelve de forma casi maquínica que se ven interrumpidos por paradas repentinas y el silencio. Esta estructura se repite a nivel macro en la forma bipartita del concierto, con un primer movimiento más agresivo y un segundo en el que el silencio se hace más dominante. La sensación de espera ansiosa parece remitir al anochecer del final del cuento de Beckett.

Si en Still el tema es el silencio, en Alba, el concierto para trompeta, la ausencia es la de color. Inspirándose de nuevo en un texto de Beckett, Saunders usa la sordina de la trompeta para exlorar la tensión entre lo abierto y lo cerrado. La naturaleza a un tiempo acromática y absolutamente luminosa del color blanco que da título a la pieza se corresponde la desintegración de las líneas melódicas de la trompeta a lo largo de la obra. Como en Still, la estructura bipartita del concierto nos ofrece una primera parte que alterna movimiento e interrupciones repentinas y una segunda en la que el empuje se mantiene de manera constante en el proceso de desintegración sonora.

Con una duración de casi media hora, Aether, una pieza para dos clarinetes bajos, difícilmente puede ser comsiderada un intermedio. Desde luego establece un contraste drástico con los dos conciertos. Estructurado como un diálogo complejo e hipnótico, Aether transmite la sensación de dos criaturas que se mueven la una alrededor de la otra repitiendo una serie de patrones de interacción.

Mark Simpson, Geysir
Wolfgang Amadeus Mozart, Serenata, No. 10 Gran Partita K. 361

Mark Simpson, Fraser Langton, clarinete
Nicholas Daniel, Emma Feilding, oboe
Amy Harman, Dom Tyler, fagot
Oliver Pashley, Ausiàs Garrigós Morant, corno di bassetto
Ben Goldscheider, Angela Barnes, James Pillai, Fabian van de Geest, trompas
David Stark, contrabajo

Publicación: Orchid, 20 de noviembre 2020
Primera escucha: 16 de enero 2021
Género: clásica

Wolfgang Amadeus Mozart, Serenata No. 10 Gran Partita K. 361
Ludwig van Beethoven, Variaciones sobre Là ci darem la mano

Miembros de la Orquesta del Concertgebouw
Alexei Ogrintchouk, oboe y dirección

Publicación: BIS, 6 de noviembre 2020
Primera escucha: 16 de enero 2021
Género: clásica

Abundan las grabaciones excelentes de la Serenata No. 10 de Mozart, una obra célebre pero difícil de oír en vivo por su duración (casi una hora) y su instrumentación. La de Marriner con la Academy of St Martin in the Fields es considerada comúnmente la de referencia y es, sin duda, la que más he oído. Entre las grabadas con instrumentos de época, me gustan mucho las dirigidas por Kuijken y Herreweghe.

La riqueza y osadía armónica y contrapuntística de los desarrollos de un material temático particularmente austero y la originalidad de la orquestación hace que esta obra destaque sobre las otras serenatas de su autor y de otros autores de la época. Por eso es una buena noticia que el mes de noviembre nos dejara dos nuevas grabaciones extraordinarias de la Gran Partita, capaces de competir con las grabaciones arriba mencionadas.

El ensemble que publica la grabación en el sello Orchid ha sido creado ad hoc y la acompaña de una obra del joven clarinetista británico Mark Simpson, encargo de la Britten Sinfonia para un concierto con este mismo programa. Sólo el emparejamiento hace que el disco merezca una escucha. Geysir, la composición de Simpson, parece seguir la moda de la composición basada en acontecimientos de la naturaleza y su título en islandés podría remitir a los excelentes compositores jóvenes de ese país que aparecen a menudo en este blog. Se trata de una onra notable y atractiva que, aparte de su inspiración en el mundo natural, sabe entrar en diálogo con la obra de Mozart gracias a la recuperación de elementos de la quinta variación de su sexto movimiento.

Sin embargo, si tenemos que ceñirnos a la obra de Mozart, la grabación de BIS es francamente imbatible. Aporta una atmósfera introspeciva en los movimientos más lentos y una intensidad en los rápidos muy superior a las del conjunto británico y la calidad de la grabación de BIS, que ha dejado más distancia y espacio a su conjunto y permite una escucha mucho más rica en matices, tampoco admite comparación. No me costaría convertirla en mi versión de referencia de la obra. Y es que, en este caso, los trece músicos proceden de la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, no sólo una de las mejores del mundo, sino especialmente una de las mejores secciones de viento que he oído nunca.

Si la pieza que acompaña a Mozart en el disco de Orchid justifica su escucha, la del de BIS parece a todas luces un relleno un tanto anticlimático. Las variaciones de Beethoven sobre el famoso aria de Zerlina Là ci darem la mano del Don Giovanni de Mozart son una miniatura simpática pero intrascendente.

Florent Schmitt, La Tragédie de Salomé
Florent Schmitt, Musique sur l’eau
Florent Schmitt, Oriane et le Prince d’Amour
Florent Schmitt, Légende

Susan Platts, mezzo-soprano
Nikki Chooi, violín
Buffalo Philarmonic Orchestra
JoAnn Falletta, directora

Publicación: Naxos, 13 de noviembre 2020
Primera escucha: 19 de noviembre 2021
Género: clásica

Una nueva grabación de la mejor obra del francés Florent Schmitt acompañada de otras obras suyas prácticamente desconocidas. La tragedia de Salomé (aquí, como de costumbre grabada en su versión de poema sinfónico para orquesta) es una partitura de ballet formidable en la que Schmitt exhibe un talento post-debussiano para la orquestación y una inteligencia rítmica que anticipa al Stravinsky de la Sacré. Stravinsky es por cierto dedicatario de la pieza y escribió sobre ellas alabanzas desmedidas. JoAnn Falletta y su orquesta de Buffalo (que ya han publicado al menos otro disco con música del compositor) ofrecen una interpretación viva y vibrante y el sonido de los ingenieros de Naxos es cálido y envolvente sin resultar pastoso. Un éxito de versión para una obra de la que tampoco abundan las grandes grabaciones (la mejor, sin duda, la de Martinon y la orquesta de la ORTF).

La otra pieza del disco de la que existen grabaciones previas es Oriane, un ballet escrito para la bailarina Ida Rubinstein. Aunque la escritura orquestal vuelve a ser brillante, la música carece de foco, con un prólogo demasiado breve al que sigue una Danza de los Mongoles excesivamente larga. Si Salomé (o para el caso su Antonio y Cleopatra o su versión del Salmo XLVII) le hace pensar a uno que Schmitt debería aparecer más en los audotiros contemporáneos, esta Oriane nos recierda que está bien que algunas obras queden sólo para estudiosos y completistas. También resulta brillantemente orquestada y algo carente de propósito Légende, que aquí aparece en su versión para violín y orquesta.

Musique sur l’eau es, sin embargo una miniatura deliciosa que recibe aquí su primera grabación. Deliciosas tonalidades impresionistas para una obra que espero empiece a grabarse e interpretarse más.

Piotr Ilyich Tchaikovsky, Sinfonía No. 5
Piotr Ilyich Tchaikovsky, Francesca da Rimini

Tonhalle-Orchester Zürich
Paavo Järvi, director

Publicación: alpha, 20 de noviembre 2020
Primera escucha: 19 de enero 2021
Género: clásica

Paavo Järvi se estrena como nuevo director de la orquesta del Tonhalle de Zürich con una grabación notabilísima de una obra básica del repertorio. Como no lodía ser de otro modo, su lectura evita excesos y habrá quien la juzgue demasiado contenida. A mí ha sido precisamente el cuidadísimo escalonado de intensidades y matices lo que ha hecho que me resulte efectiva. Algunos de los momentos más tranquilos y serenos de la partitura adquieren una sutileza casi milagrosa y la llegada a cada uno de los climax de la partitura se siente merecidísimo. Por supuesto que no tiraría a la papelera por ésta las versiones de mi infancia (Karajan) y juventud (Mravinsky), pero me parece un añadido notable a la discografía de una obra esencial a la que ya no vuelvo a menudo.

La contención de Järvi es aún más efectiva en su Francesca de Rimini, donde los excesos a menudo acaban en el ridículo (véase el caso de Dudamel).

Chanson d’Amour

Sabine Devieilhe, soprano
Alexandre Tharaus, piano

Publicación: Erato, 11 de septiembre 2020
Primera escucha: 21 de enero 2021
Género: clásica, canción

Un recital inspiradísimo de canción francesa de la segunda mitas del siglo XIX y la primera mitad del XX. Aunque predomina la doble inspiración del Romanticismo tardío y del Impresionismo, la selección es mucho más variada estilística y temáticamente de lo que cabría temer.

Devieilhe canta con una elegancia y ligereza capaz de crear una sensación de cercanía prodigiosa y el acompañamiento de Tharaud es inteligente y vibrante como de costumbre. Las Cinq Mélodies populaires grecques de Ravel reciben un tratamiento particularmente efectivo, con su aire folclórico encajado a la perfección en la sutileza de la escritura raveliana. En las Ariettes oubliées de Debussy se muestra por primera vez la personalidad del compositor y aquí los intérpretes sacan el máximo partido de sus atmósferas umbrosas.

Antonio Vivaldi, Il Tamerlano

Bruno Taddia, Filippo Mineccia, Delphine Galou, Sophie Rennert, Marina De Liso y Arianna Venditelli
Accademia Bizantina
Ottavio Dantone, director

Publicación: Naïve, 25 de septiembre 2020
Primera escucha: 21 de enero 2021
Género: clásica, barroca, pasticcio

Nueva grabación de la ópera pasticcio de Vivaldi que hasta ahora sólo había grabado en su totalidad (con el título ahora refutado de Il Bajazet) Fabio Biondi y su Europa Galante. No puede dudarse de la importancia y la ambición del proyecto Vivaldi que desde hace algunas décadas viene publicando el sello Naïve y del que éste disco se su 65 volumen y uno de los más logrados.

La crítica ha alabado unánimente la viveza eléctrica de esta interpretación y yo tengo poco que añadir. Un añadido imperdible para los amantes de la ópera barroca.

C. P. E. Bach, Conciertos para Oboe, Wq. 164 y 165
C. P. E. Bach, Sinfonías Wq. 180 y 181

Xenia Löffler, oboe
Akademie für Alte Musik Berlin

Publicación: harmonia mundi, 17 de enero 2020
Primera escucha: 23 de enero 2021
Género: clásica

Con algo más de un año en el mercado, este disco difícilmente puede comsiderarse una novedad y seguramente se me habría pasado de no haberle dedicado enero a discos de 2020 que aún no había oído. Y habría sido una pena porque la Akademie ofrece aquí sus habituales versiones afiladas y vinrantes de los dos conciertos para oboe de C. P. E. Bach y de dos sinfonías tardías que no conocía.

Las sinfonías son verdaderas montañas rusas de contrastes y cambios temáticos, armónicos y de tono y humor que se mantienen unidas gracias a una estricta comcepción formal. La sensación de imprevisibilidad y de sorpresa se complementa con la de coherencia y ahí debía de radicar el efecto de satisfacción buscado. Estas sinfonías berlinesas no desmerecen nada de la serie más conocida de las compuestas en Hamburgo y sin duda volveré a ellas.

Los dos conciertos para oboe reciben aquí interpretaciones memorables gracias al virtuosismo y la interpretación cálida y sensible de Xenia Löffler. El movimiento lento del Wq. 164 bastaría para convertir a cualquiera que no los conociera en fan de la oboísta y del segundo de los hijos de Johann Sebastian.

Un añadido importante a la discografía de C. P. E. Bach, al que cada vez más se le atribuye el papel central que merece en el gran relato de la música sinfónica.

Dieter Ammann, The Piano Concerto (Grand Toccata)
Maurice Ravel, Concierto para la mano izquierda
Bela Bartók, Concierto para piano No. 3

Andreas Haefliger, piano
Helsinki Philarmonic Orchestra
Susanna Mälkki, directora

Publicación: BIS, 2 de octubre 2020
Primera escucha: 25 de enero 2021
Género: clásica, contemporánea

Es la primera vez que oigo algo de Dieter Ammann, pero sin duda no será la última. Su Piano Concerto (THE Piano Concerto, reza sin pudor el título) es un festival de energía y virtuosismo que nos invita a una escucha atenta y gozosa. La tensión interna de la pieza, los estallidos de sonido, el equilibrio difícil entre una orquesta propulsora y riquísima en lo cromático y el virtuosismo percusivo del piano me hacen pensar a ratos en lo que más me gusta del jazz de vanguardia contemporáneo: aquí también a menudo la respuesta adecuada es una carcajada incrédula.

Andreas Haefliger sigirió a Ammann la escritura de la obra y su estilo expresivo e intenso resulta ideal. Mälkki dirige a los de Helsinki con prodigosa urgencia y precisión.

Las interpretaciones de Ravel y Bartók son extraordinarias, aunque de ambas piezas abundan grabaciones iguales o mejores. Es tal vez el tercer concierto de Bartók en el que más brilla Haefliger, capaz de enfrentarse con igual éxito a la atmósfera reflexiva y honda del Adagio religioso y a los momentos más percusivos del enérgico final.

Moor Mother y billy woods, Brass

Publicación: Blackwoodz Studios, 24 de diciembre 2020
Primera escucha: 25 de enero 2021
Género: hip hop, spoken word

La única entrada de música popular este mes es un ejercicio prodigioso de música afroamericana. Moor Mother y billy woods llevan algunos años en racha de hiperactividad exitosa y en Brass culminan sus trayectorias hasta hoy. Acompañados de habituales como Eleucid, The Alchemist o Amirtha Kidambi, ofrecen un recital de rap y spoken word reflexivo sobre capas densas de sonido que remiten al free jazz, al alt hip hop neoyorquino de los 90, al dub o al noise. La poesía visionaria y apocalíptica de Camae Ayewa y las fábulas urbanas de billy woods se complementan a la perfeción.

Joseph Haydn, Cuartetos de cuerda, Op. 76. 1-3

Chiaroscuro Quartet

Publicación: BIS, 1 de mayo 2020
Primera escucha: 26 de enero 2021
Género: clásica, cámara

Tras los dos volúmenes dedicados al Op. 20, el cuarteto Chiaroscuro aborda el Op. 76 y el éxito resulta aún más prodigioso. Las líneas de la música de Haydn reciben aquí un tratamiento de una nitidez y una pureza tonal que no creo haber oído en ninguna otra grabación (mi versión de referencia para estos cuartetos es la de Mosaïques y ésta como mínimo la iguala). Esa nitidez y una frescura relajada en el enfoque permiten que el incansable juego de texturas que propone Haydn quede expuesto en todo momento. Los ingenieros de BIS han conseguido una sensación de proximidad e inmediatez admirable que hace fácil reproducir el disco en bucle.

Franz Schubert, Cuartetos de cuerda Nos. 4, 12 y 14

Quatuor Arod

Publicación: Erato, 2 de octubre 2020
Primera escucha: 31 de enero 2021
Género: clásica, cámara

Acabo el mes celebrando el cumpleaños de Schubert con esta nueva grabación notable del Cuarteto Arod. Tras un disco excelente dedicado a música del entorno de Arnold Schoenberg, éste es el primer volumen de los franceses dedicado a la música de Schubert.

He oído pocas versiones tan urgentes y apasionadas del cuarteto No. 14, el famosísimo La muerte y la doncella. Leo en la web del cuarteto que su nombre es un homenaje a Tolkien, que llamó Arod al ingobernable caballo que montaba el elfo Legolas en El señor de los anillos, y si este dato parecía irrelevante en sus lecturas de Schoenberg y Zemlinsky, en esta lectura al galope de Schubert resulta del todo conveniente. Un uso controladísimo pero constante del vibrato aleja esta versión de otras recientes y le confiere un aire muy personal.

Con idéntica urgencia y con una nitidez admirable abordan los miembros del Arod la exhuberancia melódica del único movimiento de la Quartettsatz, otra de las obras maestras de Schubert para el formato.

La tercera y última obra del recital es un cuarteto temprano y mucho menos conocido. El modelo aquí es mucho más Mozart que Beethoven, pero en esta lectura y en compañía de sus hermanos mayores, el cuarteto No. 4 aparece aquí como una obra merecedora de mayor atención capaz de anticipar elementos del dramatismo del Schubert adulto.

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